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sábado, 1 de agosto de 2009

Exposición EGIPTO EN LA COLECCIÓN DE HAMDI ZAKI. Sitges (Barcelona).


EGIPTO EN LA COLECCIÓN DE HAMDI ZAKI


La Galería Pau d´Arara celebra sus diez años de actividad en Sitges con la exposición “Egipto en la Colección de Hamdi Zaki”, una selección de obras de la colección de Hamdi Zaki, realizada a lo largo de más de treinta años de viajes por el país del Nilo. Amigo del pintor catalán Joan Abelló, a quien tuvo ocasión de ciceronear en los viajes que dieron lugar a su interesante colección de pinturas sobre Egipto, Hamdi Zaki es escritor, egiptólogo e hispanista, especialista en viajes a Egipto, y fue durante diez años consejero de turismo de la Embajada de Egipto para EEUU,América Latina, España y Portugal.

Se trata de una colección de diferentes artistas/artesanos. Baste recordar unas frases que dijo Abelló sobre estas obras, "tienen un colorido muy típico y en seguida te trasladan a Egipto" y añadió, "te da la impresión de antigûedad, es decir la obra presenta un tema centenario, el autor pudo emplear sus colores con mucho éxito de manera que nos hace preguntarnos si estas obras son de hace dos o tres siglos”.

La colección de pinturas de Hamdi Zaki es un recorrido por Egipto su gente , costumbres, historia , callejuelas, cafés, artesanos... Las obras de la Colección son de varios autores egipcios : Mohamed, Said, Kamal, Fathy y Hamdi entre otros.

La inauguración de la exposición contará con la presencia de Hamdi Zaki, que hablará sobre “Egipto, fascinante pasado y presente”: “El Cairo es una ciudad milenaria que fascina con sus mezquitas, callejones, celosías, arcos, palacetes, museos, pirámides, mezquitas y con sus más de 35.000 cafés repartidos entre los barrios populares. Los cafés tienen un papel muy importante en el mundo egipcio. Son un foco de influencia en su vida social, política y artística; son el espejo que refleja la historia, las costumbres y el lenguaje del pueblo. Tiempo atrás, el café era el núcleo donde estallaban las manifestaciones en contra de la ocupación inglesa de los siglos XIX y XX. Aquellos y los de ahora son un descubrimiento de nuevos cantantes, bailarinas, actores... En su regazo acogen a los intelectuales, que encuentran en él su fuente de inspiración y el locus amoenus de sus obras literarias. Un claro ejemplo de esta influencia es la experiencia del Premio Nobel de Literatura, Naguib Mahfuz. Varios cafés de El Cairo han sido y son uno de los pilares más importantes dentro de sus novelas y cuentos: las experiencias vividas en ellos, las historias de los que frecuentaban dichos cafés, los encuentros con sus amigos y conocidos... Era tanto el tiempo que pasaban en el café que, a Mahfuz y sus compañeros, se les llamaba el harafish, que significa «los que no tienen casa». 

Algunos de estos cafés se convirtieron en los favoritos del escritor, como el de El Fishawy (siglo XVII-XVIII ), que sigue hasta la actualidad con esplendor en El Hussein (Khan El Khalili). Es el más representativo de El Cairo, a lo largo de su historia fue testigo de las veladas de los intelectuales de todo el mundo como Taha Hussein, Tawfiq El Haquim o el mismo Mahfuz, entre otros; y también fue donde se reunían líderes políticos, artistas, futbolistas junto con la gente sencilla del pueblo. Otro es el café Rish en el centro de la ciudad. O el Al de Jan Gaafar, cerca de la plaza Beit El Kadi, al que Mahfuz iba con su madre cuando era niño. El café Orabi, situado en la plaza de Al Abbasiya, era el lugar escogido por Mahfuz para pasar las horas con sus amigos. El Premio Nobel relata que dicho café, cuyo nombre procedía de un bravucó, tenía muchísima importancia e influencia en la vida de los egipcios hasta tal punto que algunos líderes políticos acudían a él en busca de Orabi para que les ayudara a conseguir más votos. Hay otro café entre los preferidos del escritor —y que menciona en su trilogía Entre dos palacios, La Azucarera y El palacio del deseo— el Ahmed Abdallah, en el barrio de Khan El Khalili. Eso sin olvidarse del café Om Kulzum, situado en la bohemia y concurrida calle de Emad El Din.

Pero hablar de estos cafés remite, inevitablemente, a la música, al rababa «un instrumento faraónico parecido al violín». A principios del siglo pasado y hasta los años 70, el café contaba con un poeta popular que cantaba las leyendas y los cuentos populares mientras una doncella bonita bailaba la danza del vientre. Esta grata imagen se fue perdiendo progresivamente con la llegada de la radio a Egipto (en 1936) y, más tarde, en el año 1959, de la televisión. Sin embargo, en algunos cafés aún se mantiene esa costumbre tan folclórica. Prueba de ello es que al ojo avizor y a la pluma inquieta de Naguib Mahfuz no se le ha escapado esta tradición y así lo ha reflejado en algunas de sus novelas como en El callejón de los milagros, Koshtomor y en la trilogía anteriormente mencionada.

En la actualidad, raro es no encontrar un café en el que no suene la música, ya sea procedente de un canto en directo o de un radiocasete. En ellos se siguen escuchando las voces de los grandes intérpretes, aclamados por el país, tanto los clásicos como Om Kulzum, Abdel Wahhab, Abdel Halim o Shadia; como los más modernos como Amr Diab, Mostafa Amar, Ihab Tawfiq, Ali El Haggar o el ya internacional Hakim, entre otros”.

La inauguración de la exposición tendrá lugar el próximo sábado, 1 de agosto, a las 20,00h y se podrá visitar hasta el 20 de agosto en la Galería Pau d´Arara de Sitges.

Texto: Hamdi Zaki y Francisco Lara Mora.

jueves, 28 de mayo de 2009

Exposición ISIDRE MARCET. Barcelona


NOU MÒN, ISIDRE MARCET. (Sitges, 1952)..

El ideal de un trabajo libre y creativo ha llevado a Isidre Marcet a recorrer caminos diversos, desde la abstracción a los objetos cotidianos, pasando por diferentes “ismos”. La utilización por Marcet de los materiales en función del entorno y del momento vivido, en la interacción tiempo-espacio, ha generado una interesantísima colección de cajas-objeto, que se diluyen en la frontera entre la pintura, la escultura y la poesía. Como diría Joan Brossa, cuya obra no fue realmente apreciada hasta los años 80, “La poesía visual no es dibujo, ni pintura, es servicio a la comunicación”.

Tras un intenso período de producción de exposiciones y participación en muestras y certámenes, que va desde 1988 a 2003, Isidre Marcet inicia una etapa más introspectiva en la que busca dar un impulso unificador a su obra. Fruto de este período de investigación son las series “Ésser Utòpics” y “Nou Món”. Éstas son resultado y síntesis de otras anteriores, ejecutadas fundamentalmente con óleos, sobre madera la primera, sobre tela la segunda, muestra una serie de seres imaginarios formados de elementos mecanizados y geométricos – a veces inorgánicos -, formando mágicas escenas en un universo onírico que, en ocasiones, podría compartir con el suizo-alemán Paul Klee.

En este último período la obra de Marcet gana en luminosidad y el horizonte adquiere mayor relevancia. El mismo comenta que la imagen que surge en el momento de la realización de una obra es fruto de la voluntad dirigida a dejarse ir y vivir el instante, tal como éste fluye. Marcet, encuentra en las dualidades realidad y fantasía, materia y espíritu, arriba y abajo, verticalidad y horizontalidad, el equilibrio que plasma en sus surrealistas obras.

Texto: Francisco Lara Mora, comisario.


viernes, 3 de noviembre de 2006

Exposición GRABADORES BRASILEÑOS. Sitges















COLABORACIÓN CON LA TAVERNA DIVINA DE SITGES (BARCELONA).

OBRA GRÁFICA:

Sèrgio Lima, Sebastiâo de Paula, Roberto Galvâo, Nauer Spíndola, Francisco Almeida, Francisco Bandeira, Abelardo Brandâo, Francisco Lara.

Texto: Roberto Galvão:

sábado, 6 de agosto de 2005

Exposición JAVIER AYUSO. Sitges







LA EMOCIÓN PINTADA

La pintura de Javier Ayuso es un acontecimiento emocional.

Este artista ha encontrado en la plástica la forma de vivir su universo interno con un diálogo secreto y patente con los afortunados que le acompañamos en su búsqueda de lenguaje expresivo.

Si nos introducimos en su proceso de creación podemos abrir las puertas que llevan al interior de su obra a la inversa y así poder participar en su camino vital y pictórico:

1ª puerta: La acción.

La catarsis de la emoción en pintura aparece a través de colores cálidos, ardientes, con el contra punto helado de azules casi fosforescentes, que dan a estos cuadros autobiográficos, la tensión de la lucha.

El conflicto emocional para este pintor, que si no tiene batalla no le interesa pintar, se resuelve a través de emociones sutiles o broncas, desabridas o suaves, pero, en fin, es la barrera de la máscara que se produce por homología con el sentido de defensa.

En la creación de espacios en el interior del cuadro se protege, produciendo la inviolabilidad de la intimidad. Le da la sensación de estar a salvo, es el laberinto acogedor, y también, su purgatorio.

Es un conflicto que se acaba resolviendo con la catarsis de la mancha y su propia acción a través del tiempo de secado y reposo durante la noche.

El componente de ilusión y sorpresa se produce a la mañana siguiente con el encuentro amoroso con la pintura que se dejó reposar, a su aire, a su antojo, porque el tiempo, el espacio y la materia tienen su propio baile, su expresión casual y genuina y eso también pinta, en la acción compulsiva y apasionada de este pintor visceral que ama y vive intensa y atormentadamente a través del cuadro.

En el acto de pintar primero plasma las emociones como manchas de color y luego organiza conceptualmente el espacio añadiendo líneas: puertas de entrada y salida en ese espacio vital, cuadrado, como los cuatro elementos de la Tierra, el lugar donde transcurre la vida; con acrílicos densos y transparentes veladuras, que dan la sensación al contemplarlas de respiración y pálpito.

2ª puerta: La pasión.

En el corazón del cuadro late su vida atormentada y lúcida. Su búsqueda empieza desde la infancia y, seriamente se encuentra con la pintura, desde el año 1978.

Su pasión vital está subyugada por la convulsión social, la respiración de la sociedad está en su propio aliento.

Le atrae por su patetismo (el pathos griego: el sufrimiento) el expresionismo abstracto de los artistas vascos. Sus gamas cromáticas en esos años son oscuras...

En su pasión ininterrumpida se le hace difícil el parar de pintar, el límite es la muerte del cuadro, eso le dificulta el momento de acabar la acción encima del lienzo; es como la vida: la muerte al anochecer, el nacimiento al amanecer, y entonces empieza otro cuadro...

Hace poco descubre la lucha titánica dentro de su propio ser y empieza a pintar en rojos salvajes y en formato grande, y en ese transcurso dedica un cuadro a la tragedia vital de una niña-madre, mujer de carne y hueso que llegó a creer soñada en la geografía abrupta y sensual de su obra.

3ª puerta: Su sueño.

En la mitología de su pasión por la pintura, en lugar destacado sobre otros muchos cuadros, ocupan un lugar preeminente “El perro” de Goya, “El jardín de las delicias” de El Bosco y “El grito” de Munch, esta elección no casual sino empática, dan la medida de su ideario en la búsqueda del “por qué” un cuadro, y la otra señal indicadora de su trayecto pictórico lo ofrecen los títulos que identifican sus sentimientos a la hora de actuar: “No hay motivo de alarma”, “Geometría sentimental”, “Las bases del conflicto”, “Narciso en grado sumo” y otros...

En fin, la vida, la pasión por vivir y la catarsis visceral después del inicio conceptual, son los ejes de su lucha pictórica y el resultado es esa convulsión placentera y atormentada que se produce en el espectador a la hora de ver sus cuadros.

Como en la pintura, anochece el encuentro con este pintor creíble y vital
y amanecen sus cuadros...

Texto: Mara Estellés Contreras (Doctora en Bellas Artes).

sábado, 9 de julio de 2005

Exposición LIANE KATSUKI. Segovia








ESCULTURA DE LIANE KATSUKI EN LA GALERÍA PAU D'ARARA, 
(15/07/2005).

Estas formas escultóricas de la artista Liane Katsuki poseen unas estructuras orgánicas, vegetales o animales. Se elevan, como menhires conmemorativos, con prestancia y gesto estilizado y simbólico. Muchas de ellas parecen estar hechas para conmemorar algo importante de carácter público y especial, para elevarse por encima de las miserias y contradicciones de las masas humanas.

Quizás sea este carácter gestual solemne el que hace que la obra de Katsuki se traduzca a monumentos públicos, que por lógica no aparecen como esculturas en esta muestra de Pau d'Arara, sino sus pequeños módulos originarios y base de la posterior monumentalidad. Precisamente en la sala vemos diversas fotografías de formas monumentales de Liane Katsuki en plazas y jardines públicos.

Otra forma ovoide. 

Estas formas de inspiración orgánica a veces parecen sujetar o contener otra forma ovoide que recuerda a fecundación, parto y continuidad.

En el haber de la obra de esta escultura, habrá que inscribir la profesionalidad, la pureza en las formas, y el trabajo bien presentado. En el debe… quizás la demasiada pureza (al trabajar los materiales), y la convencionalidad de algunas esculturas, que bordean el encargo comercial, de lo que se debe huir. Aunque bien es cierto que el mundo del encargo oficial gusta de las fórmulas hechas y repetidas. Estaría bien una Liane Katsuki más rebelde e imperfecta, conservando, eso sí, su profesionalidad. (Pau d'Arara, Galería de Artes Aplicadas).

Texto: Antonio Madrigal.

sábado, 2 de julio de 2005

Exposición ALEPH. Sitges








VIDRIO

ESCULTURA
INSTALACIÓN  Y
COLECCIONES

http://www.talleraleph.es/

sábado, 7 de mayo de 2005

Exposición colectiva BRAVO, ETCHEVERRY Y HUERTAS. Segovia


PINTURAS DE BRAVO, ETCHEVERRY Y HUERTAS


Tres pintores nos muestran algunas de sus últimas obras en la galería Pau D'Arara. Se trata de tres artistas que tienen pocos puntos comunes en su manera de enfocar e interpretar la emoción de la creación plástica, si bien en esa disparidad de caracteres se encuentra la enriquecedora comparación por parte del espectador.

La cohesión de la exposición será entonces, y seguramente, la amistad profesional (o la profesionalidad amistosa, que no es lo mismo, pero casi). Las pinturas que vemos esta vez de Raúl Bravo (con títulos sorprendentemente religiosos: "San Jerónimo en el scriptorium", "Visitación"), tienen una composición estructural distinta de lo que he visto en anteriores muestras suyas. Aquí desaparece el agrio expresionismo anterior en buena parte. ¿Es solamente en estos pocos cuadros aquí colgados?. Me da la impresión de que el pintor se encuentra en un cruce de caminos, en un punto acusado de búsqueda. Es normal: los artistas sinceros y de verdad, siempre andan buscando algo, y las rupturas y reinicios muchas veces alumbran estupendos hallazgos, y con pan y vino se anda el camino. Diego Etcheverry por el contrario se encuentra en su línea ya conocida de imaginativo dibujante medio surreal, medio onírico, medio caústico, que a veces denuncia con su fino trazo determinadas alineaciones y abusos de los humanos. Sus "profetas", robots, peces articulados en cientos de piezas, y cubas de vino (que desarrollan la insólita teoría filosófica-matemática de la cuba), se plasman en cuadros que son narraciones de cosas, y a veces dibujos coloreados muy poblados.

Los pequeños cuadros abstractos de Lucía Huertas son divagaciones continuadas de colores meditados y sopesados con cautela. En ellos, la artista combina y completa lo informal con lo constructivo, consiguiendo resultados apagados y jugosos a la vez. Quizás requieran formatos algo más grandes estas divagaciones abstractas, pero a lo mejor es la estructura misma de la sala la que impone el formato. Bien es verdad que el tamaño pequeño es siempre más agradecido y cómodo, pero también creo que en el formato grande el chispazo abstracto se estira más. Es una opinión. Sea como fuere, estas pinturas de Lucía Huertas son gustosas e interesantes.- ( Galería Pau D'Arara).

Texto: Antonio Madrigal (EL ADELANTADO DE SEGOVIA / 25/05/2006).

viernes, 5 de noviembre de 2004

Exposición JUAN ALBERTO ARTECHE. Pastrana (GU)











MÚSICA AL CARBÓN, PINTURAS DE JUAN ALBERTO ARTECHE.

Nace en Palma de Mallorca (Baleares) en Junio de 1947, bajo la luz del Mediterráneo y en el seno de una familia muy dada a la pintura: Bernabé Lozano –un bisabuelo que murió cuando contaba 20 años- fue Premio Nacional en <> hacia 1890, Alberto Arteche, su abuelo, fue copista en el Museo del Prado Y su tío abuelo Mauro Arteche se ganó la vida en Venezuela como gran retratista.

En los años 60, Juan Arteche estudia en Madrid la carrera de Arquitectura, a la vez que funda el primer grupo de música Folk del país: Nuestro Pequeño Mundo, perteneciendo en 1970 a Aguaviva en su primera formación y acompañando a cantautores de la talla de Pablo Guerrero y Luis Pastor. En los 80, Arreche se dedica a investigar sobre la Música Visual y producción discográfica, editando multitud de trabajos –Finis Africae, Javier Bergia, Taller de Música Mundana, Depósito Dental, Luis Delgado, Babia, Carmen Linares, Gerardo Núñez… En 1989 crea su propio sello discográfico Música Sin Fin y su estudio de grabación El Agujero, donde ven la luz un montón de discos: Clónicos, Paxariño, Alberto Iglesias, Radio Tarifa, Eliseo Parra…y nuevas experiencias del Finis Africae.

A lo largo de su vida musical, nunca abandona la parte gráfica que heredó desde niño, realizando portadas de discos, tanto como fotógrafo, como pintor, diseñador o dibujante, habiendo expuesto algunos de sus trabajos en la sala Juana Mordó de Madrid, junto a nombres como Picasso, Miró, El Cubri, Barceló, Aute… en una colección de las mejores carpetas discográficas de los últimos 30 años.

En 1999 cambia su estudio a Navas de Riofrío ( Segovia), donde en un ambiente de campo puede hacer mejor sus trabajos musicales – pictóricos. Exponiendo desde ese año:

-1999, Individual. Sala de Exposiciones Diputación de Guadalajara.
-2001, Individual. Sala de Exposiciones del Teatro Juan Bravo (Segovia)
-2001, Individual. Galería Barajarte, La Granja de S. Ildefonso (Sg)
-2003, Individual. Sala de Exp. Ayuntamiento de Navas de Riofrío (Sg)
-2004, Individual. Sala de Exposiciones Caja de Badajoz, en Mérida.
-2004, Individual. Auditorio Joaquin Rodrigo, Las Rozas (Madrid).
-2004, Individual Galería <pau d`arara>, Segovia.

Mientras, comienza a grabar nuevos proyectos junto a Eduardo Laguillo en su nuevo disco, un disco libro sobre los judíos de Aragón, Viva quien sabe querer –el último disco de Eliseo Parra-, Sol d`invierno de Biella Nuei y la primera grabación de Hexacordo.











viernes, 22 de octubre de 2004

Exposición SOTTE. Segovia








HOMO MARÍTIMO, PINTURAS. SOTTE - José Antonio Soto Amado, (Algeciras, Cádiz, 7 febrero 1962).

La materialización de un proyecto, la creación pictórica, la composición, escribir, son rutas para mirarnos en ese espejo, al lado del cual lanzamos al alias que nos habita en la parte más íntima; y a la que todavía no sabemos si llamar mente, alma, psique o qué.












No es el caso éste en el que es el mar lo que vemos como la esencia de Sotte. El mar llegó a él desde fuera impregnándolo; su forma de expresarlo es lo que nos calibra su ser interno. Un mar, unos mares, familiares y desconocidos a la vez, que son los de siempre pero no los habían visto así, en el espejo de Sotte: pintura y mundos atrapados en resina que ofrecen aguas salvajes, severas, dramáticas, noches serenas si bien inquietantes, cajas luminosas, cambiantes como el mar entre el día y la noche. A veces disgusta que nos devuelvan un mundo que todos llevamos dentro resistiéndonos a verlo.

Texto: Isabel Moreno Montoro, Doctora Historia del Arte.

viernes, 24 de septiembre de 2004

Exposición RESU GIL. Madrid








PINTURAS, RESU GIL, Hinojos (Huelva) 1953.


Cuando la expresión camina por conceptos etéreos se puede llegar a lo inconcreto sobre el realismo de las marismas de Doñana. También se puede expresar la simbiosis entre lo visual y lo soñado a través del color que flota en el soporte de la tela. Pero quizás lo más importante es el trasfondo emocional qeu queda a medio camino entre la figura y el contexto, entre la realidad y la creación personal. Resu Gil acaricia las marismas, los atardeceres, los bosques y las aguas, evita el dramatismo entre lo material y lo etéreo, simplifica el camino y transforma lo evidente en un ejercicio de liberación personal y necesario. 

Seguramente su mundo está más cerca de las formas y colores de sus cuadros que del marco cotidiano de una realidad evidente y compartida. Hay un innegable esfuerzo de convencerse a sí misma de que el mundo es de otra manera, y que esas percepciones de sensibilidad sureña nos son simplemente guiños de colores entremezclados. hay muchas tensiones internas, muchas misteriosas reacciones difícilmente comprensibles. Ese mundo tortuoso y cromático, aflora con la facilidad de un devenir  natural, de reflejos y destellos que ahora son como deberían ser.

Más que un pretexto, la pintura de Resu Gil refleja una necesidad. Pintura sin brusquedades, armónica, elaborada desde la ensoñación y el color. Expresión de un esfuerzo por llevar al lienzo la dificultosa irrealidad creativa. Un camino de luces y sombrasen que los suspiros son más importantes que los trazos y las lágrimas más verdad que cualquier figuración objetiva. En ese proceso de desmaterialización se adivina la generosidad de los anhelos, el protagonismo de la constancia, la pasión por dominar la plasmación de los colores, al explicarse lo inexplicable.

Hay también, una fuerte pretensión de querer volar muy alto, pero con los pies acariciando el agua, el viento, los amarillos intensos de los horizontes de todos los días. Quizás si se liberaran todos los soportes, si todos los colores estuvieran en la más total de las libertades, si todas las formas no fueran la afirmación de nada, sise perdieran todos los miedos a volar a lo más alto, las marismas de Doñana serían el cielo.

Texto: Eliseo de Pablos.

sábado, 4 de septiembre de 2004

Exposición SOTTE. Sitges








HOMO MARÍTIMO, PINTURAS.José Antonio Soto Amado "Sotte" (Algeciras, Cádiz 1962).


Nunca se saciaba de aprehender el mar.
El mar se había incrustado en su piel en ese afán de coleccionar atardeceres, un deseo que luego se materializaría con su necesidad de paralizar el tiempo, agotando las últimas luces que secuestra la noche.











Recuerda sus primeros viajes marinos como ecos de imágenes con voces festivas, humedecidas por la presencia de franjas azules. Desde entonces su mirada se ancló en paisajes irrepetibles: crepúsculos de mares en los que liderando la luz, mostraban colores salpicados por brillos y rugidos espumosos que bañaban sus recuerdos infantiles en ese universal intento por vencer la negritud de la inexorable oscuridad.

Aurora.

jueves, 17 de junio de 2004

Exposición DOMÈNEC CORBELLA. Segovia








PINTURAS DE DOMÈNEC CORBELLA EN PAU D'ARARA.


El pintor Domène Corbella desgrana a través de los pequeños cuadros de esta exposición de la galería "Pau d'Arara" unos matices suavísimos de colorido, de gran reflexión a la hora de la creación, y de notable conjunción; y todo ello dentro de una composición estructural apenas sugerida, de una figuración evanescente que se escapa de continuo hacia los inconcretos y etéreos mundos de la abstracción. Pero, Corbella siempre tiene un cabo de amarre, por leve que este sea, tendido al buque de la figuración (la más o menos figuración, la figuración suya). 

Domènec Corbella busca contínuamente la síntesis y lo simple y elemental. Y desde luego lo consigue con oficio y considerable sabiduría, ya que llegar a estos resultados tan místicos supone un exigente trabajo mental y manual, y una cultura plástica liberal.

Corbella posee un gusto exquisito que se traduce en cada una de las obritas expuestas. No hay registros altisonantes en sus pinturas, el artista de propósito los evita y consigue en el espectador (y me figuro que en él mismo, a la hora de pintar) gran paz, una paz de relajamiento.
Otro aspecto a considerar en la obra de Corbella es el tratamiento del empaste: empaste generoso que no desbordante. Se recrea en sus empastes, que igualmente transmiten agrado.

Y otra característica: el lirismo y poesía que visualmente nos ofrece. Nunca Domènec Corbella cae en los bosques de amenos de "lo decorativo", emparentados con el comercialismo, si bien es verdad que a veces los roza. En cualquier caso estamos ante un pintor.

Texto: Antonio Madrigal. (EL ADELANTADO DE SEGOVIA, 21/07/2004).

viernes, 26 de marzo de 2004

Exposición DOMÈNEC CORBELLA. Madrid



















DOMÈNEC CORBELLA, PINTURAS.


Domènec Corbella cuenta en su haber con más de 40 exposiciones individuales. Su trayectoria pictórica va pareja a una dilatada experiencia docente como profesor de pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona.

Corbella ha logrado en su obra una síntesis que le ha llevado a plasmar la esencia de su mundo interior utilizando como medio el paisaje. Las constantes en su pintura son el rigor técnico, medida y ritmo en sus composiciones, simplicidad de elementos y sensación de musicalidad en sus atmósferas.

Entrevista al autor:

1-Siendo un artista que podemos afirmar se encuentra en su madurez creativa, por una parte ¿qué evolución señalarías en el panorama artístico de nuestro país? y por otra ¿cómo ha evolucionado tu obra en este contexto?
Recuerdo en una ocasión, cuando tenía poco más de veinte años, que el galerista Miguel Gaspar me afirmó que un artista no puede considerarse hecho hasta cumplidos los cincuenta. Como comprenderás, no solo no compartí dicha dicha opinión, sino qeu ni tan solo la comprendí. En cambio, ahora la comprendo porque porque presiento que he logrado compenetrarme conmigo mismo de tal manera que la pintura responde a los objetivos, intenciones o necesidades que dicta mi espíritu. Efectivamente, el espíritu cambia cronológicamente, cuando la sangre de los veinte me hervía, mi pintura era fisiologista, desfigurada, luego gestualista, informalista y progresivamente he recuperado con una mirada más apacible y serena mi entorno hasta convertirme en un intimista.

2-En los últimos años algunos autores señalan que el último movimiento artístico preponderante en el panorama internacional fue el postmodernismo y que después, en este momento existe una importante indefinición , se aprecia un fuerte eclecticismo en la creación artística ... ¿qué piensas que está sucediendo y hacia dónde se van a mover los caminos del arte?
El empeño humano por definir o encasillar llevará, más o tarde o más temprano, a buscar una definición más o menos homogénea del presente. SEa como sea, pienso que es bueno que cada uno se exprese e investigue según sus convicciones. Cuando yo estudiaba, recuerdo qeu todos mis compañeros, incluido yo mismo, pintábamos más o menos igual, en cambio ahora los estudiantes, dentro de un mismo taller, a pesar de trabajar en proyectos pictóricos con un argumento común, producen tantos lenguajes como autores hay. Pienso que en la pluralidad se encuentra la genialidad y la verdad de cada uno. En el arte no existen verdades absolutas. En cuanto a dónde iremos a parar, es probable que las nuevas tecnologías modifiquen o incorporen nuevos elementos expresivos, no obstante, cuando el debate sigue siendo todavía figuración o abstracción, se demuestra que el problema no es ni de los medios ni de los lenguajes, sino mental, porque se puede ser tan bueno y contemporáneo en la figuración, como malo y anacrónico en la abstracción.

3-¿Qué piensas del estado de salud de la función social del arte?
desde el punto de vista del conocimiento y educación, no lo veo mal, jamás el arte ha llegado tan fácilmente y tan variadamente a la sociedad. En ese sentido, las grandes ciudades, con una importante infraestructura museística, quizás tengan ventaja. Incluso, desde el punto de vista comercial, jamás  hasta ahora ha estado más cerca su acceso, naturalmente si descartamos las grandes firmas, aunque bien es cierto, todavía no hemos alcanzado el hábito necesario de visitas a museos y galerías y consecuentemente el nivel cultural deseable.

4-¿Cuáles pueden ser las aportaciones del arte, los artistas, a esta pérdida de valores que todo el mundo coincide en que se desvanecen por momentos en la sociedad occidental?
La aportación del arte ha sido, es y confío que seguirá siendo, un medio de conocimiento, comunicación y desintoxicación. El arte, en general, constituye el único medio por el cual el hombre es capaz de exteriorizar o expresar sus sentimientos, su disposición anímica, si me permites utilizar los términos nietzianos, tanto en la vertiente apolínea como dionisíaca. Forma parte de la condición humana, se diga lo que se diga.

5-Tengo entendido que eres un experto en la obra de Joan Miró... ¿puedes hablar de ello?
Siempre he creído que es muy difícil ser experto en algo, y especialmente en arte, pienso que puede ser contraproducente, digamos que tengo un cierto conocimiento de la obra de Joan Miró por el hecho de haber estado trabajando durante un año como estampador de su obra calcográfica y, posteriormente, esta experiencia me despertó un interés especial por su lenguaje, hasta el punto que me propuse descifrar su contenido mediante un estudio morfológico, sintáctico, iconográfico y semántico de su lenguaje, a partir de la serie Barcelona 1939-44. ESte trabajo de investigación se convirtió en la tesis doctoral, publicada por parte de la Universidad de Barcelona con motivo del año Miró del 1993, con el título de "Entendre Miró" (Entender a Miró). La serie Barcelona está compuesta de 50 litografías en blanco y negro y, probablemente, constituye la obra más repulsiva, violenta y vindicativa del proceso creativo de Miró, en concordancia con la temática que la inspiró. Puesto qeu se instaura, muy astutamente, como denuncia del régimen franquista, así como se homenajea a las fuerzas que guiaron Barcelona, hasta su ocupación en 1939. 

6-¿Proyectos futuros en la Universidad y en tu vertiente artístico-creadora?
A nivel universitario, ayudar lo mejor posible a las nueva generaciones para que sean lo más reflexivas y responsables. Y en cuanto a mi trabajo creativo personal, ya te he dicho, mantener la serenidad y alcanzar la paz necesaria para conseguir la mejor pintura posible.

Texto. Entrevista a Domènec Corbella por Francisco Lara.

viernes, 20 de febrero de 2004

Exposición PEPA MORA & PABLO CAPITÁN. Madrid

















LA PIEL, 
Fotografía y dibujo, PEPA MORA SÁNCHEZ & PABLO CAPITÁN DEL RÍO.

La piel: simbólica y metafísica, es la primera y más inmediata capa de la percepción. Es una evidencia de la contención y la compacticidad como seres vivos. El reconocimiento que se produce cuando vemos piel es empático: se produce un vértigo, un hormigueo de la carne debido a la posible aproximación. La piel es mutable, se individualiza, pero no deja de ser abstracto, superficie.

En toda la intención comunicativa, existe una parte imposible y esa es la que la piel limita, más aun cuando solo se es accesible a simple vista. Cuando necesitamos de la experiencia para que la piel esté curtida todo se vuelve compacto pero inalterable.

Texto: Pepa Mora y Pablo Capitán.

sábado, 23 de agosto de 2003

Exposición JOSÉ PORTILLA. Segovia



















RELACIÓN, ORDEN, AGITACIÓN.


Cada uno pone orden en su casa o debe ponerlo. Pero también cada maestrillo tiene su librillo en cuanto al método. Cada hombre es un mundo y cada mundo es un método, pues hasta los "sin método" tienen su particular organización (todos buscamos comprensión y equilibrio, Y así nos manifestamos exteriormente; solamente se muestran disociados los enfermados de la mente).

José Portilla es un artista plástico que tiene el mérito -y la honradez- de trabajar con muy pocos elementos formales y colorísticos. Digamos la despensa art´sitica de Portilla es sobria, pero siempre ordenada con bastante claridad. Abundan allí los cuadrados, los rectángangulos, y no muchas más formas geométricas (también ocurre así con la obra de Paul Klee, Mondrian o Ian Scully).

Rara vez aparece en la obra de Portilla algún asomo de figuración, y cuando tal ocurre, suelen ser sugerencias de vegetales o flores. Un aspecto importante en la composición de estos cuadros es la importancia que el artista da a la materia que emplea, a su partículas "cocina": aplica tramas, raspaduras, incisiones, salientes, arenas y calidades bien incorporadas y ensambladas, con el correspondiente peligro que tiene abusar de todas estas veladuras, detrás de las cuales está el abismo de lo "decorativo" sin más, lo fácil, gran enemigo de la obra de arte que se aspira a que se sostenga sola. Realmente esto no ocurre con José Portilla, que se muestra imaginativo y creativo dentro de lo suyo. Pero el riego está ahí señalado.

Texto: Antonio Madrigal (EL ADELANTADO DE SEGOVIA, 20/09/2003).

jueves, 26 de junio de 2003

Exposición CARLOS COSTA. Segovia











CARLOS COSTA, PINTURAS.

"Una excursión por el valle del cuello de la Sibila"

No es el personaje humano, es la orografía del personaje. Por mejor decir: Es la orografía de la pintura -esa ficción- que fue motivada por el personaje inspirador retratado por los pinceles de aquel artista del renacimiento italiano, o de nuestro Siglo de Oro. Pienso que así hay que contemplar la pintura en primerísimos planos elaborada por Carlos Costa, de asuntos ya pintados por maestros antiguos que pertenecen a la historia del arte. ¿Se trata de una reflexión puramente técnica, una reflexión sobre pigmentos, trazas o barnices? -Creo que no es eso, y que el asunto va mucho más allá de los simples procedimientos.

Por supuesto que es una reflexión, una profunda y difícil reflexión, una fría reflexión que no está al alcance de cualquiera.

Esa Sibila, esa sacerdotisa de Apolo plasmada en el moderno lienzo, no es solo la copia de una Sibila de Miguel Ángel, pues para eso ya están los copistas, algunos excelentes, que se ganan la vida decentemente haciendo horas y más horas en el Museo del Prado y otras pinacotecas.








Creo que este asunto rebasa lo anecdótico. He mencionado al principio la palabra orografía; el diccionario la define como "Parte de la geografía física que trata de la descripción de las montañas". Así pues, habrá que entender estas superficies pintadas (creadas) ya por otros maestros históricos anteriores como "paisajes", y entonces el "geógrafo-pintor" actual, entrará en dicha "geografía física" cual entomólogo con su microscopio, o ingeniero con su teodolito, señalando cotas, accidentes y profundidades, analizando estos montes y valles que son las orejas, las cuencas de los ojos o de los ríos de las cejas de la Sibila o el Juan Pareja en cuestión. Pienso yo que la razón de la pintura de Costa no anda muy lejos de la de los creadores del Pop-Art americano (por ejemplo Lichtestein: En sus lienzos transcribe casi: "ad literam" y en su enorme tamaño una viñeta de un comic de Walt Disney con el Pato Donald soltando una onomatopeya en su correspondiente bocadillo o fumetti... ¿Es solo eso una viñeta de tebeo copiada, o es que el artista acota, subraya y pone en valor un fenómeno cultural popular de comunicación moderno, cual es el comic...?).

Aparte de todo esto, hay transformaciones, manipulaciones y exclusiones en los trabajos de Costa, una intencionalidad creadora, una inventiva.

Pero pienso que habrá que tener ojo con estas corrientes (y no lo digo por Costa, sino por otros pintores que las extremen); ¿Qué pensaremos de un escritor que publique una novela que se llame "El ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha", y que sea exacta, cé por bé y página por página, a la inmortal creación de D. Miguel...?

Texto: Antonio Madrigal (EL ADELANTADO DE SEGOVIA, 09/07/2003).

viernes, 25 de abril de 2003

Exposición MARISA DE LUCAS. Segovia








ESCULTURAS Y CERÁMICAS, MARISA DE LUCAS.


"Estamos todos (en nuestra soledad)"
Por una extraña y descabellada mezcla de sensaciones e imágenes, este comentarista de exposiciones abajo firmante -al cual no le gusta nada el calificativo de crítico, pues creo qeu habría que inventar en los periódicos y medios unas llamadas "Crítica a los críticos" o algo así...- piensa que se podría poner en relación la imagen de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, del Dios Padre tocando con el dedo de la vida al Adán recién nacido, junto con el matissiano cuadro titulado "La danza", y también junto al fotograma de la película de Spielberg "E.T.", del extraterrestre tocando con su extraño y larguísimo dedo de rana el dedo del candoroso niño amigo pecoso.

¿Y todo esto por qué? Porque pienso que estamos solos en la creación, respirando en una pelotilla pequeña llamada planeta Tierra, sin señales de vida en los sistemas solares vecinos. Y, a su vez, cada una de las criaturas humanas del planeta estamos también solos dentro de nuestro cerebro, y pugnamos por comunicarnos entre nosotros no sólo por medio del lenguaje, sino además tocándonos epidérmicamente, asiéndonos (a veces, golpeándonos).

Debemos tocarnos: es fundamental, es necesario, es imprescindible y es vital. Las esculturas de terracota, arcilla refractaria y bronce de Marisa de Lucas, que nos muestra en la galería Pau d'Arara, se tocan y se buscan, se cogen de las manos, de los dedos, organizan ruedas, carros, círculos, conexiones de unos personajes con otros. Se trata de pequeñas esculturas simples, primarias y dinámicas, en las cuales sus protagonistas se auxilian y se dan calor. "Estamos todos", se titula una de ellas, pudiéndose titulas también "Estamos todos: por eso nos juntamos en nuestra soledad..."

Por eso, para la escultora somos "todos dioses", pues el hombre ante la enorme tragedia suya de ser pensante de su soledad cósmica, se adiosa y engrandece. Todos estos conjuntos de colectividad dinámica ("Las tres gracias", "La maga y el guerrero", et.) poseen esa chispa de la debe ser el socorro humano en pie de igualdad. Finalmente resaltaremos la originalidad e interés de las cerámicas de la artista. Citaremos: "Paisaje de Alicia", "Hombre en duda" y, sobre todo, los purísimos azules de la obra titulada "Agua".

Texto: Antonio Madrigal (EL ADELANTADO DE SEGOVIA, 16/05/2003).

sábado, 3 de agosto de 2002

Exposición MINI-MONSTRE. Sitges


URBANS DE MINI-MONSTRE A PAU D'ARARA.

L'exposició de peces ceràmiques realitzades per Mini-Monstre, tàndem format per Hèléne Crècent i Bertrand Mazurier, fou inaugurada dissabte passat a l'establiment del carrer Major. Mini-Monstre és el nom i la signatura d'aquest artistes francesos establerts a València. Del seu taller de ceràmica en surten els plafons, sota plats, plats, bols i esferes decorades amb dissenys, gravats directament damunt del gres amb un punxó, que representen, a toto color, aus humanizades com en les faules de la La Fontane o d'Esop.

El grafisme i el color viu i primari són dues característiques del treball de Mini-Monstre, equip de treball que signa les creacions amb un simpàtic personatge sortit directament del món del còmic.

Els seus treballs han estat exposats a l'Institut Francès de València, properament estaran en la col·lectiva de ceramistes organizada pel Museu de Teruel i diverses obres estan exposades en el taller de projectes de Pepe Cabrera Dènia.

L'espontaneïtat i l'expressió en estat pur són el resultat que se'nspresenta aquest dies en l'ambit de Pau d'Arara. Ocells urbans que van a platja o que són parella de fet es complementen amb una sèrie de retrats on es conjuga la paraula escrita amb la imatge del ocellot, mig personatge mig abstracció.

Identitats que es manifesten a través de "pàjarus" i "pàjares" figurats en relacions de comunicació i amb una gran dosi d'ironia i humor. Els format quadrats, rodons o volumètrics com les esferes mantenen un estil propi que té les seves arrels en l'expressionisme del còmic i que accepta altres referents com pot ser el color de l'obra de Joan Miró, els ocells de Braque, les formes retallades de Matisse i l'espontaneïtat del traç de Jean Dubuffet o el trencadís de Antoni Gaudí.

Com en el mural graffiti del nostre "pont dels ocells" les creacions úniques de Mini-Monstre ens interroguen llargament, amb soroll de batre ales, de la nostra existència que ells reflecteixen amb color i vitalitat, plenament positivista.

Texto: Isidre Roset i Juan (L'ECO DE SITGES, 10/08/2002).

miércoles, 20 de marzo de 2002

Exposición CRISTINA MARTÍNEZ. Sitges


 KACHINAS, ARGONAUTAS Y BICHOS CORRETONES. 
CRISTINA MARTÍNEZ ABELLÁN, CERÁMICA ARTÍSTICA.

La exposición está sembrada, a modo de tótems, de una decena de Kachinas. Muñecas que provienen de los indios Zufi y Hopi de Norteamérica, que las realizaban en madera, coloreadas y adornadas con plumas y accesorios. Literalmente, en hopi, significa “portadora de vida”. Son “espíritus respetados” de todas las fuerzas invisibles, desconocidas de la vida. Espíritus de plantas, aves, minerales, difuntos, planetas, estrellas…

Las Kachinas son regalos de vida, magia y misterio, y Cristina Martínez presenta una serie, con mensajes bien definidos: “Kachina www”, la reina de la comunicación; “Kachina Hermes Web”, el mensajero de la reina; “Kachina El Lluvia”, el que rompe las nubes con su hacha, provocando las tormentas; “Kachina La Lluvia”, atrae las gotas de agua para sí, protegiéndose espantada de la tormenta con su tocado pararrayos; “Kachina Frailecillo”, atrae la pesca en los días muy azules; “Kachina Lira”, atrae a las hembras de cualquier especie de pájaro, imitando el sonido, el canto de todos ellos, a modo de grabadora/reproductora. Tiene el don de la voz; “Kachina Tilonorrinco”, es el artista de los pájaros. Con su particular exposición de tesoros, cristalitos, plumas, hilos, chapas, caracolas, etc., sobre todo tipo de colores azules, llama la atención de los hombres, esperando pacientemente que les guste su obra, y si no la cambia; “Kachina Sideral Thannhauser”, una de las tres puertas del espacio; “Kachina sideral Andrómeda”, una de las tres puertas del espacio; “Kachina Sideral Orión”, Una de las tres puertas del espacio.

Obras realizadas en barro refractario, con engobes y óxidos, o gres, en el caso de Kachina La Lluvia, también con engobes y óxidos, cocidos a 1270º.

Cristina Martínez presenta una trilogía de Argonautas, realizada en barro refractario con engobes: “Argonautas a Zahara de los Atunes”, “Argonautas a Sitges” y “Argonautas a Oltra”. Preciosas obras que irradian un espíritu mágico, de humor y ternura, en los espacios que su autora decide conquistar. En la mitología griega, los Argonautas eran héroes que navegaron con Jasón, desde Págasas hasta la Cólquide, en busca del Vellocino de Oro.

La exposición se completa con la serie “Bichos corretones”, como su nombre indica, un bestiario muy especial que desprende ternura, realizado en barro refractario o gres en reducción o con óxido y engobes: “Antílope Kerala”, “Oso Hormiguero”, “Unicornio”, “Pájaro Tanios”, “Caracoles”, “Caballo Gabriel”, “Caballo Lola”, “Caballo Eolo”, etc.

El resultado de la exposición en Pau d'Arara desborda belleza, misterio, magia, delicadeza, carácter y genialidad. Genialidad inherente al que busca, entregado a desvelar los secretos y dominar la técnica milenaria de la cerámica, al tiempo que explora la experiencia en numerosos talleres para niños y para adultos, compartiendo su maestría.

Texto: Francisco Lara Mora.


viernes, 18 de mayo de 2001

Exposición DOMÈNEC CORBELLA. Guadalajara


PAISAJES MEDIATERRÁNEOS


A pesar de que el discurso dominante trata de mostrar fragmentado el mosaico cultural que nos rodea, hombres como Domènec Corbella nos trasmiten sutílmente la certeza de una cultura común -estructurada en torno a la vid, los olivos, los almendros, los campos...- Corbella lo comunica derrochando sensibilidad y armado de sencillez y sinceridad a la hora de sugerir un espacio de síntexis, mediante arquetipos que nos envuelven desde la Grecia clásica, pasando por el Renacimiento europeo y las Vanguardias, de una manera moderna, contemporánea y bella. El compromiso de Domènec Corbella, más allá de reflejar paisajes o fijar para la posteridad naturalezas muertas, le sumerge en un universo donde música, poesía y pintura van de la mano. Este pintor catalán consigue plasmar con coherencia la música del silencio. La armonía y el ritmo de forma y color son logros fundamentales en la obra de este maestro.

Desde luego la contemplación de este universo mítico, cargado de luminosidad, produce una serena emoción. ¿Quizás desvela con sencillez secretos de un mundo de calma, paz y serenidad frente al conflicto, la contaminación acústica y la velocidad de la metrópoli?

Texto: Francisco Lara Mora.