Exposición JOAN NADAL. Sitges

AGUA, PINTURAS.

Joan Nadal nació en Vilafranca del Penedés (Barcelona) en 1958. Vivió durante un año en Sitges, donde participó en el Centenario de las Festes Moderistes, pero salvo este periodo su habitat estuvo en Vilanova i la Geltrú, donde trabaja como profesor de dibujo en la Escola Municipal d`Art i Disseny.

En el periodo en que vivió en Sitges realizó cursos de formación permanente destinados a los profesores sitgetanos, con los que creó fuertes vínculos y con algunos de ellos y otros artistas formó el colectivo Codiart, con el objetivo de divulgar sus obras.

En el interesante libro “Pintores i escultores de l`Hotel Romàntic de Sitges” realizado por Montserrat Sintes i Bou en 2003, encontramos unas palabras de Nadal sobre Gonçal Sobrer, donde recuerda un interesante proyecto cultural para Sitges, de los que marcan la diferencia, que pudo ser y no fue: “Em va a interesar molt un projecte d`en Gonçal en concret, la Maison dels Artistes. Es trataba de crear un alberg exclusiu per a artistes, ubicat dins de l`Hotel Romàntic. La intenció era que els artistes d`aquí ide l´estranger utilitzessim aquest espai per aïllar-se, crear i reatlizar un intercanvi cultural que anés més enllá del món de l´art, i incligués gastronomía, costums, diferents formes de pensar i de viure, idiomas, etc. El projecte, peró, no va anar més allà de la idea, pero ens va a ajudar a somniar una mica.”

El recorrido artístico de Joan Nadal está repleto de exposiciones, individuales y colectivas, premios e instalaciones artísticas. Como pintor, recibió la influencia de Joaquim Mir a través del maestro Salvador Masana, que ha iniciado en las artes del color a tantos jóvenes de la comarca a lo largo de su dilatada actividad, tiene predilección por la temática de paisajes y la figura femenina.

Los paisajes se presentan en general exentos de personajes, limpios y naturales, evitando las construcciones y demás agresiones estéticas. Nos muestran la nostalgia del paisaje que se pierde. En su obra está implícita la denuncia y llamada de atención sobre la destrucción del paisaje mediterráneo, como consecuencia de la codicia intrínseca a la especulación inmobiliaria.

En las pinturas de la exposición “Agua”, Nadal nos muestra –como lo hiciera Mir- el paso de la figuración al abstracto a través de un proceso que nace de la pintura al natural –in situ-, eligiendo un fragmento de la realidad, un encuadre, para después, en su estudio, continuar el tratamiento de la obra; usando el paisaje como pretexto para elaborar nuevas formas y proponer nuevas maneras de comprender el medio, mediante una distorsión cromática y formal muy personal, que nace con su serie “Sueños venecianos” que evoluciona hasta la completa abstracción de la serie “Agua”: “La serie pictórica “Sueños venecianos” nace de un estudio de las vibraciones, de los colores, de las distorsiones acuáticas, de los reflejos de los edificios venecianos. Otra realidad, torrente de colores y de formas que me seduce y me cautiva. La representación gráfico pictórica de los reflejos de las formas arquitectónicas dentro del agua me permiten desarrollar unas creaciones donde fluyo con más libertad y creatividad, pues para mi cada obra es como un poema donde se aglutinan una suma de pasiones, emociones y sueños, otra realidad.”

Para Joan Nadal agua quiere decir vida. La fuente de toda vida y por tanto luz, color, emociones, sentimientos, sueños y esperanzas. No en vano somos y estamos compuestos fundamentalmente de agua, igual que el resto de los seres vivos.

Curiosamente, y así lo plasma Nadal en sus pinturas, el agua si fluye libremente en un plano inclinado, por liso que sea, seguirá un curso serpenteante, con un enigmático diseño en espiral. Algunos científicos han aventurado incluso la hipótesis de que acaso pueda registrar en su estructura toda la memoria de la vida sobre la Tierra. Hablamos del agua de cada día, cuyos secretos intrigan a los investigadores. Apenas un 3% del agua presente en nuestro planeta es potable y, de ésta, el 90% se encuentra en forma sólida en los casquetes polares, u oculta en las entrañas de la tierra. A pesar de tratarse de algo tan cotidiano como vital, este elemento es uno de los más desconocidos y uno de los grandes enigmas de la ciencia. Estamos aun muy lejos de comprender la naturaleza misteriosa del agua.

Así, mediante esta exposición, aprovechamos para llamar la atención sobre la importancia del estudio y la difusión de todos los aspectos relacionados con el agua, desde la investigación sobre la optimización de los usos de este recurso, la “memoria” del agua o sus propiedades curativas, pasando por el agua como elemento creativo en cualquiera de las disciplinas artísticas.

La exposición de pinturas de Joan Nadal titulada “Agua” se inaugura el sábado 9 de mayo y se podrá visitar en la sede sitgetana de Pau d`Arara, en Mayor-9 hasta el próximo 5 de junio.

Texto: Francisco Lara Mora.

Exposición ISIDRE MARCET. Sitges (Barcelona).

LA MEMORIA DEL INCONSCIENTE, Isidre Marcet (Sitges, 1952).

Transcurridos más de treinta años desde la primera exposición de Isidre Marcet en Sitges, esta muestra antológica ofrece una retrospectiva de su obra. El método ideal para el estudio de una pieza es disponer del conjunto de obras realizadas en el mismo período de tiempo y a su vez poder insertar éstas en la secuencia evolutiva de la obra del autor. Este ha sido el caso. Para poder estructurar cada época y al tiempo destacar la diversidad de su creación ha sido necesaria una rigurosa y difícil selección entre cientos de piezas. Lógicamente muchas piezas no han sido incluidas y paralelamente hemos iniciado la catalogación de su obra con la inestimable colaboración de Joan Carles Vicente hoy día asesor artístico en el Hotel Estela de Sitges y experto que prestó sus servicios en la Galería René Metras de Barcelona y, por tanto, gran conocedor de la singladura artística de Marcet.

El presente de Sitges no se entiende sin contemplar su íntima relación con los innumerables artistas que la han habitado. En los últimos años del siglo XIX se encontraron aquí pintores locales como Joaquín de Miró, Antoni Almirall o Joan Battle, y otros venidos de fuera como Arcadi Mas o Joan Reig i Soler, primero con Meifrén y Casas y después con Rusiñol. En estos ciento dieciocho años transcurridos, mucho es lo que la bella población de Sitges y sus actuales moradores debemos a aquellos que, por su buen juicio, han enriquecido el patrimonio cultural y protegido hasta donde les fue posible los elementos urbanos y paisajísticos de los que hoy se puede disfrutar, como es el caso de Marcet y su grupo escultórico, donado altruistamente, instalado en los jardines de la Fundación Ave María, en la calle Artur Carbonell.

LOS ORÍGENES

Isidre Marcet es un pintor nacido en Sitges, donde siempre ha residido. Heredero de las vanguardias que se desarrollaron a partir del Movimiento Modernista, tan ligado al pasado de la Blanca Subur y sus Festas Modernistas. A partir de los desarrollos iniciales del impresionismo, se produjo un abandono de los ideales del arte académico y un retorno a los aspectos inmediatos de la vida cotidiana. En general, hasta fines del siglo XIX, la tradición concebía el arte como la representación del hombre y la naturaleza bajo modelos preestablecidos. La gran ruptura de los movimientos modernos con la tradición fue la deconstrucción del arte como esencia.

Las vanguardias artísticas volcaron la mirada hacia la riqueza espiritual y estética, incluso de los pueblos no europeos, introduciendo transformaciones inéditas en las concepciones plásticas. Es lo que podemos observar en los trabajos de estética primitivista realizados por Marcet a principios de los ochenta, de clara influencia africana y picassiana. El artista moderno, al abandonar el universo simbólico de la cultura tradicional, desencadenó una sensibilidad nueva que refleja la vivencia de un mundo en conflicto, articulándose una cultura de la máquina – “Nou Mon” -que se verá representada positiva o críticamente en las producciones artísticas de las nuevas tendencias.

Las revoluciones sociales, los enfrentamientos bélicos, el hundimiento del Humanismo y la angustia del hombre en la sociedad industrializada serán temas recurrentes a lo largo del siglo XX. El arte alcanza la capacidad provocadora para promover nuevos conceptos de individuo y realidad, enriqueciendo las categorías de lo urbano, el tiempo y la experiencia, la percepción, la libertad, el compromiso social y la exploración del inquietante inconsciente. En su última obra, mediante el retrato de seres imaginarios, Marcet nos muestra sus inquietudes artísticas, intelectuales e incluso humanas, marca de la originalidad y angustia vital del autor.

Marcet pinta desde siempre; sus primeras lecciones las recibe en las Escuelas de los Escolapios de Sitges, como sus compañeros Rafael Monzó y Artur Duch, y aún colegial, en los tiempos del bachillerato en los “franciscanos” de Vilanova i la Geltrú, acude a aprender a pintar con óleo al taller del maestro Salvador Massana, su profesor de dibujo en la escuela. Massana, que continua viviendo en Vilanova, heredó la técnica de Joaquim Mir, no en vano lo conoció cuando era niño y ejerció de ayudante y aprendiz del artista. A los diecinueve años, Marcet, cursa tres años de estudios de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de la Llotja, pero no es hasta 1977 cuando realiza su primera exposición, en la Galería Carrer Major de Sitges, de esta época son títulos como “Ca la Celia”, “Bodega del canobre” o “Les casetes”; muerto el General Franco era el momento del renacer de las utopías…, expone en S.Pere de Ribes, Vilanova i la Geltrú y una vez más en Sitges y tras vivir un tiempo como empresario ferretero, y dejando el negocio familiar, pasa durante un período a dedicarse a criar cabras en el campo. Es en ese período donde, según cuenta Marcet, toma conciencia de quién realmente es.

ESCUELA MASSANA. LOS OCHENTA

Animado por su compañera Montse Quiles, con quien ha tenido dos hijos, vuelve a los estudios en la Escuela Massana entre 1984 y 1986, esta vez de cerámica y anatomía artística. Siempre sin dejar de pintar, en su taller de la Calle Major, hasta la actualidad.

Fueron años de contadas exposiciones, en la Galería Yolanda Ríos de Sitges y otras colectivas en la Escola Massana y Salou (Tarragona). En estos años la pintura y la cerámica de Marcet se enriquecen mutuamente. Además la cerámica y sus volumen es indudablemente un excelente camino para explorar la escultura, también colabora con el ceramista Wali Hawes de Bombay (India) en la realización del vídeo “El Árbol de Fuego”(1989).

En este período produce y expone pinturas, dibujos y esculturas. Joaquín Domínguez escribía en las páginas de L´eco de Sitges: “…Marcet comienza al estilo de los clásicos con la adicción de ideas impregnadas de sutil fantasía, como ocurre con la mujer desnuda, de espaldas y al lado la fotografía llena de vida y exquisito erotismo de un rostro de mujer tierna. Inquieto en un tenso afán de búsqueda de nuevas formas a base de la combinación de colores diferentes, llega a una fase de ruptura por medio del retorcimiento de la materia que inevitablemente le conduce al hallazgo de nuevas e inauditas formas. Así, tras un periodo de producción de seres deformes, de parejas mutiladas con taras físicas y el dolor psíquico visible en sus rostros, se lanza hasta el collage de amontonamiento de volúmenes (maderas y cartones combinados con colores) que para mí tiene el valor de expresión impresionista del vómito lanzado al entorno por el artista insatisfecho que busca de manera más o menos consciente el revulsivo social.”

Aunque el estudio de la obra de Marcet nos muestra la posibilidad de diversas clasificaciones, optamos por una clasificación por series. Estas series estarían compuestas por un conjunto de piezas relacionadas entre sí y con una secuencia entre ellas. La comprensión de dichas series está en su conjunto y cada una de ellas contiene sus propias características .Hemos creído que era más importante conservar el orden creativo que el temporal, no interrumpiendo ni rompiendo así las series, sino, mostrando en su caso la evolución de una idea. Por ello el orden cronológico sufre alguna alteración .

La primera serie, coincidente con el período de los estudios de cerámica en la Escuela Massana, tiene una estética primitivista, de influencia picasiana, mencionada anteriormente, y consta de tres grupos, atendiendo al soporte utilizado por Marcet –papel, cartón y terracota-, con obras como “Angels noctambuls”, “El amor seducido”, “Lorca davant mateix”, “Fugint” o “El Rei de Harlem”.

En estos años ochenta, Marcet realiza una concienzuda investigación, prolija en resultados, comienza la creación de su personal universo en tres dimensiones; mediante el ensamblaje de maderas y otros elementos de reciclaje, -con cierta afinidad a Torres García y a los “juguetes” de Esteban Vicente- compone un mundo de geometrías, colores y formas contenidas entre las cuatro paredes y fondo, dando lugar a una serie muy numerosa de “cajas”, a modo de escenario teatral y paisajes. En otros casos las composiciones con maderas generan figuras y en ocasiones éstas forman escenas; sin descuidar la obra pictórica, cultivándola en paralelo, en intima relación.

Al tiempo que Marcet investiga con materiales de reciclaje –madera, cartón, etc.-, abre una nueva línea de experimentación matérica con pigmentos, cemento o polvo de mármol, generando texturas con raspaduras sobre materia y grietas, y experimenta con collages, cuyo fruto mostrará en la Galería Yolanda Rios de Sitges y especialmente en una sucesión de exposiciones durante los años noventa que le llevará a fichar por una de las galerías más importantes del panorama catalán: Metras.

Francés Miralles escribía con motivo de la exposición “X de X a Joan Miró” en 1993, “La obra de Isidre Marcet se ha desarrollado, básicamente en los años ochenta; en un momento de crisis estilística y de revisión de propuestas anteriores…encontramos el gusto por la materia y el color típicos de los años cincuenta y se reencuentra dentro de la ola de recuperación de diversas connotaciones del Informalismo. También de la abstracción de los años treinta encontramos la composición geométrica de planos”. No obstante es evidente el esforzado trabajo de Marcet por encontrar los símbolos que le son propios y quedan perfectamente sugeridos en los títulos de sus obras; y fruto de esta experimentación son las series que recogemos bajo los nombres de “cromatismes”, “abstracción estructural”, “construcció”, “estructures arquitectóniques”, “estructures de pensament”, “geometría espacial”, “reflexes mentals”, “el jardí del temps”, “retrats” o “Nou Mon”. Series que en algunos casos el autor inicia en los últimos años ochenta, pero que en general maduran en los noventa y los primeros años del nuevo milenio.

LOS NOVENTA. LA GALERÍA RENÉ METRAS

Son tiempos de una intensa entrega al trabajo y de una abundante y fértil producción artística, la abnegada dedicación de los pasados años comienza a dar sus frutos en forma de muestras. Marcet comienza su relación con la Galería Lemia Art de Sitges, participando en una exposición colectiva junto a Joan Abelló, Bosch Roger, Claramunt, De Sucre, Fradongo, María Girona, Mundó, Rafols Casamada, Xaus Tàpies y Tarrasó, y posteriormente realizará dos exposiones individuales -91 y 93- al tiempo que participa en certámenes de pintura y colectivas itinerantes como “III Certamen Nacional Pintores para el 92”, “VII Mostra d´art Contemporani Catalá”, “Noventa de los Noventa”, “V Centenario del Descubrimiento”, “Pintores Internacionales Olimpiadas 92”, “Centenari Festes Modernistes” o la mencionada “X por X a Joan Miró”.

En 1994 Marcet es convidado por la Galería René Metras, de la calle Consell de Cent en Barcelona, para participar en la exposición “Metre en boîte un univers”, junto a Jiri Chemelar, Rosa Brugat, Eduardo Cortils, Roshan Houshmand, George Lipchak y Antonio Oleada. Supone el inicio de una estrecha relación profesional, afectiva y diría de camaradería con Charles Metrás, director junto a su hermana Margaret de la Galería fundada por el padre de ambos, René Metras, que abrió sus puertas en 1962 y donde han expuesto, desde sus inicios, artistas como Fontana, Miró, Saura, Wols, Hartung, Fautrier, Enrst, Vasarely, Arp, Ponç, Tapies, Cuixart, Picasso, Feito, Millares, Delannay o Ferrant.

El vínculo con los Metras se consolida. Un par de años más tarde presenta una serie de dibujos y collages a base de elementos reciclados en la exposición “6 artistas”, junto a Alexa Anaya, Juan Cruz-Plaza, Jun-ae Lee, Pilar Van Ravell y Joseph Veciana; al año siguiente presenta en la misma Galería la pintura “Titilla sense Cap” y otra serie de collages en la exposición “Choix”, junto a Joan Descarga, R. Houshmand, Perico Pastor, Agustí Puig, Joan Rom, Antoni Socias y Alicia Vela. Finalmente en 1998 tiene lugar su primera exposición individual en Metras, dentro del programa “Presencies del nostre temps”. Marcet expone su obra más madura pinturas con tratamiento de fondos blancos, collages y esculturas, realizadas de nuevo con materiales de reciclaje a base de maderas de cajas de frutas o detalles de viejos muebles que adquieren nuevos significados, generando variedad de totems, figuras humanoides, etc.

En el mismo año, Metras participa en New-Art`98, la Feria de Arte que muestra el panorama del arte contemporáneo catalán, presentando a Marcet junto a Beat Kéller. Realizada en el Hotel Sants Barceló, sobre el evento escribía Isidre Roset en las páginas de L´eco de Sitges: “La habitación 123 fue ocupada por las obras de Marcet frente a las de Beat Keller, dos artistas interesados en la investigación de volúmenes: Isidre encajando y componiendo alegorías geométricas, Keller recuperando objetos encontrados conjugándolos con antiguos grabados. Los dos trabajan el collage de objetos recuperados, ambiguos, que a través de sus manos se transforman en significantes testimonios de nuestra era post-industrial destacada por la máxima consumista “usar y tirar”.

En 1999 Marcet despide el milenio con otra exposición individual en Metras –“Obra reciente”-, compartida con el poeta sitgetano Joan Durán que dedica una serie de poesías a las obras presentadas; materializado el acto en un recital.

ACTUALIDAD. REFLEXIÓN Y SÍNTESIS

Tras el intenso período de producción y realización de exposiciones anterior, Isidre Marcet se aparta voluntariamente de los escaparates exteriores que supone la participación en muestras y certámenes, entrando en una etapa mucho más introspectiva. Continua su trabajo creativo y de investigación, en su taller de siempre en la calle Major de Sitges, y éste parece estar orientado a dar un impulso unificador a su obra. Así, después de un periodo inicial de impulso emocional, seguido de otro más sensible, recala en el actual caracterizado por un razonamiento claro y preciso: “Marcet es un pintor de pocas exposiciones. Las madura tranquilamente, y en sus cuadros aún a pesar de la espontaneidad de los trazos, hay una profunda reflexión.” Escribía años atrás Montse Lago en L´eco de Sitges. Y así, no es hasta 2003 cuando realiza la siguiente exposición, nuevamente en Metras, y en este caso colectiva bajo el título francés “Reencontré d´instant”, junto a Aparici, Huete, Séller, krahn, el propio Charles Metras y Saladrigas. Presenta collages y entre ellos “L´home vermell”-cartón sobre papel y acuarela-.

"Es evidente que el espíritu se nutre de aquello que lo rodea. Por lo tanto hay enriquecimiento constante del individuo, lo que hace que eso sumado a una inquietud creadora lo convierta en artista", comenta Marcet; para quién lo exterior no es lo esencial, sino lo interior, el contenido, y la imagen que surge en el momento de la realización de una obra es fruto de la voluntad dirigida a dejarse ir y vivir el instante, tal como éste mana. Marcet, encuentra en las dualidades realidad y la fantasía, materia y espíritu, arriba y abajo, verticalidad y horizontalidad el equilibrio que le impulsa a vivir el presente. El ideal de un trabajo libre y creativo le ha llevado a recorrer caminos diversos, desde la abstracción a los objetos cotidianos, emprendiendo un diálogo constructivo que define el resultado. La utilización de los materiales en función del entorno y del momento vivido, en la interacción tiempo-espacio, es una de las herramientas a menudo usadas por el artista.

Absorber, reposar, retornar, restituir al plano físico aquello que es espiritual. Dejarse llevar en el hecho mismo de pintar, produciendo texturas, dibujos y colores, que son el resultado de la reflexión inconsciente de la memoria, son los ingredientes para la realización de la actual obra de Isidre Marcet; que durante los últimos años, se puede encontrar colgada en las paredes de la Galería Pau d´arara, en la calle Major, distante escasos cien metros del taller del artista. Su última serie “Nou Mon”, resultado y síntesis de otras anteriores, compuesta fundamentalmente de oleos sobre tela, muestra una serie de seres imaginarios formados de elementos mecanizados y geométricos –a veces inorgánicos-, formando mágicas escenas en un universo onírico.

Texto: Francisco Lara Mora, comisario.

Exposición JOAN ABELLÓ. Sitges (Barcelona).

LAS PINTURAS EXPRESIONISTAS DE JOAN ABELLÓ EN LA GALERÍA PAU D`ARARA

La exposición se inaugura el sábado 20 de diciembre y se podrá visitar hasta el día de Reyes. Joan Abelló i Prat nació en Mollet del Vallès (Barcelona) en el año 1922. Hombre discreto y generoso, continúa hoy en día pintando y queriéndonos ofrecer, tela tras tela, un estilo majestuoso que él mismo ha bautizado como "explosivismo", que es también su filosofía de vida.

Nacido en una familia de condición humilde, además de ser un artista de referencia del panorama artístico de nuestro país, Abelló se ha convertido en uno de los más importantes coleccionistas catalanes de arte del siglo XX. Hizo donación al Ayuntamiento de Mollet del Vallès de su fondo de arte, compuesto por varios miles de obras, y creó la Fundación Municipal que inauguró el Museo Joan Abelló en 1999.

Considerado hoy, junto a Joaquín Mir, como uno de los grandes paisajistas que ha dado la pintura catalana, la obra de Joan Abelló tuvo unos orígenes autodidactas en los que pronto se supo guiar por el ejemplo de artistas como Carlos Pellicer, Pere Pruna y el propio Joaquín Mir, pero en este caso sólo a través de sus pinturas. Siempre que ha tenido ocasión ha reconocido la importante influencia que estos tres artistas tuvieron en la evolución inicial de su pintura. Aunque ha querido aprender de todos los estilos y de todos los autores. Como diría Félix Bentz, el mayor estudioso de su obra, "En este camino, Abelló abrió nuevos horizontes y renovó radicalmente el género del paisaje al que, desde la experimentación permanente, ha sabido dotar de una renovada plasticidad, una expresión y un sentimiento radicales e, incluso, cierta extravagancia."

En 1940 hace su primera exposición en Mollet del Vallès. En 1941 estudia en la Academia Baixas y en el Real Círculo Artístico de Barcelona, institución que hoy en día preside. En 1944 fue discípulo del mencionado Pere Pruna, trabajando con él durante dos años en su estudio. Pruna le enseñó la técnica del mural y del grabado. En 1945 expone su obra en Barcelona y aprende restauración en el taller de Miracle. En 1946 empezó a trabajar en el estudio de Carlos Pellicer y estuvo con él durante catorce años.

Abelló ha viajado por todo el mundo y ha trabajado en paises como Holanda, Suiza, Inglaterra, Bélgica, Italia, Francia, Isla de Man, París… En los años sesenta regresa a Mollet, donde se interesa de nuevo por los paisajes del Vallès y del Mediterráneo, pero no abandona los grandes viajes, y a los 70 años empieza una vuelta al mundo que lo conducirá a Marruecos, Egipto, Costa de Marfil, India, Tailandia, Brasil, la Isla de Pascua, como si sus raíces lo empujaran a extender sus ramas hacia todo el universo. En estos viajes se inspira para nuevas creaciones.

Expone en Londres (1969), en París (1979), en Nueva York (1982), en Moscú (2000), etc… En el 2002, recibe el diploma e insignia como académico de la Real Academia de Bellas Artes de Sant Jordi (Barcelona). Sus obras están expuestas en numerosos museos alrededor del mundo.

Texto: Francisco    Texto: Francisco Lara Mora.

http://www.museuabello.cat/es/biografia/

Un artista cosmopolita y viajero que mantuvo una estrecha relación con artistas como Picasso y Dalí. Mantiene viva la actitud experimental y la búsqueda de nuevos caminos de expresión plástica que han caracterizado su obra a lo largo de los últimos setenta años.

Las obras seleccionadas dan cuenta del vigor y originalidad de uno de los pintores más emblemáticos de nuestro país, creador incansable que transforma el paisaje en materia pictórica a partir del trazo y el color, y que ha experimentado en su extensa trayectoria los más diversos estilos, movimientos e iconografías del universo pictórico mundial. La obra de Abelló forma parte de las colecciones de galerías, coleccionistas y museos de todo el mundo. Entre sus exposiciones internacionales más importantes, cabe destacar las realizadas en el Museo de Arte Moderno de Barcelona, el Museo Ashmolium Oxford, Museo Duglas de Isla de Man, Museo del Vaticano de Roma o The Courtauld Collection de Londres. Asimismo Joan Abelló ha sido protagonista en más de veinticinco libros, dedicados en exclusiva a la obra del autor catalán.

En palabras del crítico Ramón Faraldo "llevaba los estigmas del color en el alma del autor", cuyo "pincel emplea como hacha, como llave o como caricia, según se siente humanamente cautivo o humanamente enamorado".

P.S.: Joan Abelló murió el 25 de diciembre de 2008.

Exposición DAVID RODRÍGUEZ. Sitges (Barcelona)

 RODRÍGUEZ EXPONE SUS EXCEPCIONALES RETRATOS EXPRESIONISTAS EN PAU D`ARARA.

Hasta el próximo quince de agosto se puede visitar la muestra del joven artista catalán, nacido en 1973. David Rodríguez expone en la galería de la calle Major-9 una serie de retratos de gran formato, realizados con acrílicos sobre tela. Se trata de imágenes expresionistas realizadas en blanco y negro con una variada gama de grises.

Los rostros de David R. representan un interesante estudio sobre el paisaje exterior, que va tomando forma con los años y las experiencias, conformando una variada orografía que nos abre al paisaje interior, lo menos explorado, lo más inquietante y de alguna manera las claves del espíritu que se hayan tras la imagen exterior de las personas.

Las obras, de una envergadura aproximada a los dos metros, nacen de unos estudios previos que el autor realiza con carboncillo sobre papel, que posteriormente plasma sobre el lienzo en sesiones que nunca exceden de un par de horas por pieza.

En sus trabajos previos a los que ahora presenta en Sitges, el artista, realizó una interesante serie de autorretratos; que le han proporcionado la soltura que ahora muestra en Sitges, donde expone por primera vez. Su obra muestra una interesante afinidad y proximidad con la del artista jienense Santiago Ydañez, en la actualidad afincado en Berlín.

David Rodríguez vive y trabaja en Sabadell, donde comparte estudio –una nave industrial- con un grupo de artistas de la localidad. En su biografía destaca la selección en la bienal "Mollet Art 2005", concurriendo en la posterior exposición en el Museo Joan Abelló de Mollet del Vallés (Barcelona), y su participación en la Feria Internacional ART MIAMI 2006, compartiendo espacio con el artista norteamericano Matt Lamb, el cubano José Manuel Fors, el chileno afincado en Sitges Nicolás Cabrera y la escultora catalana Elisa Arimany.

Esta primera exposición de David Rodríguez en Sitges es una buena ocasión para contemplar los inquietantes rostros. Algunos salidos de filmes tan legendarios como el El Acorazado Potemkin ( Dr. Mabuse).

Texto: Francisco Lara Mora.

Exposición ANNA-BCN. Sitges (Barcelona)

LAS JOYAS DE ANNA GONZÁLEZ Y Mª JOSEP FORCADELL EN PAU D`ARARA

En el ánimo de acoger propuestas artísticas originales, sin excluir ninguna disciplina, la Galería de artes aplicadas Pau d`Arara presenta una muestra de las últimas piezas de joyería realizadas por Anna González y Mª Josep Forcadell.

Asistimos en los últimos tiempos a una cierta deshumanización del mercado de piezas artesanales, destinadas generalmente al regalo, complementos personales o la decoración. Digo deshumanización por el terreno que día a día gana el anonimato de los autores y la implantación despiadada de las marcas, más o menos multinacionales, frente a las obras de autor.

Cuando en otro orden de cosas oigo hablar de comercio justo, siempre encuentro contradictorio que las obras comercializadas sean absolutamente anónimas, si acaso apuntando la localidad donde estos productos han sido manufacturados, como mucho.

No conozco comercio más justo que el de las obras de autor. Estas tienen la mayor garantía que uno pueda pretender. Por una parte son portadoras de las técnicas, el oficio y la evolución estética de los signos de identidad de cada pueblo, enriquecidas por las relaciones con el entorno y siempre tienen detrás una persona responsable de su ejecución . En muchos casos, sin duda, las obras de autor transmiten incluso los sentimientos y detalles de belleza y superación con que han sido realizados. Sutilezas imposibles en una cadena de montaje o en la manufactura masiva.

En un momento de nuestra sociedad donde la uniformidad se apropia de los mercados, las personas deciden consumir marcas, cuya estética es impuesta por las campañas de marketing, frente a las piezas de autor mucho más personales y exclusivas. Así, a nadie se le escapa la invasión de osos que sufrimos de un tiempo a esta parte o de relojes que pretenden que nos parezcamos a estrellas de la canción fichadas por discográficas multinacionales, que además les imponen la dirección artística a seguir, coartando la libertad creadora de los intérpretes: “no es lo que tengo, es lo que soy” y todo eso… Anna González y Mª Josep Forcadell, se enfrentan a la realidad del mercado actual como marca, bajo el nombre annabcn.

Durante el mes de junio en Pau d`Arara, annabcn, presenta la colección No ho hagués dit mai! que incluye la línea para hombres Les joies del Quico. En esta ocasión, dejan atrás el mar para adentrarse en los bosques mediterráneos. “ Fiel a la provocación de los sentidos; si la colección Frutos (2005) sedujo la vista por su eclosión de color y luminosidad, y la colección Deep Sea (2006) persuadió al tacto por medio de las texturas, la nueva colección estimula en nuestra memoria el olor a hierba mojada. Nos transporta a un mundo de cuento de hadas a través de los textiles utilizados, la sensibilidad en el tratamiento de los elementos naturales y la delicada selección del “objeto encontrado”. Botones viejos decorados con entrañables personajes de nuestra infancia protagonizan algunas de las piezas, el resto invadido de semillas, hojas y flores en su aspecto más silvestre unidas a cálidos tejidos o piedras de color, conforman un homenaje a la vida y al renacimiento. Como no podía ser de otra manera, No hagués dit mai! establece una armonía entre el mar y la tierra uniendo en comunión turquesas y coral a los frutos del campo. Hojas de olivo, eucaliptus o tilo…, corazones de carlinas, romero, amapolas o beleños…, así como partes del fruto del ciprés se entremezclan para acercarnos a los simbolismos del mediterráneo. El color azul de las turquesas recuerda el cielo y el mar, el coral la pasión y la protección, el olivo es símbolo de paz, el tilo de tranquilidad… En definitiva, joyas que transmiten bienestar”. Comentan las autoras acerca de sus últimos trabajos.

Las joyas que las artistas presentan bajo el marchamo annabcn se encuadran dentro de lo que conocemos como Joyas de Autor y Nueva Joyería; donde se aporta reconocimiento, trascendencia o prestigio a materiales orgánicos que, ya muertos, se transforman mágicamente en joyas metafísicas; botones fuera de uso que se convierten en el centro estructural de bellas joyas o piedras preciosas y perlas naturales que se presentan montadas sobre materiales humildes como cuero o hilados textiles.

Estos trabajos se pueden contemplar en la sede sitgetana de Pau d`Arara, enclavada en la calle Major-9, hasta final del presente mes de junio.

Texto: Francisco Lara Mora.

Exposición MANUEL CUSACHS. Sitges

ESCULTURAS DE MANUEL CUSACHS EN PAU D`ARARA

Este artista catalán, nacido en Mataró en 1933, se inició de forma autodidacta en la escultura de madera a la edad de catorce años y expuso públicamente al año siguiente. En años sucesivos aprendió la técnica de la escultura de la piedra con los maestros de las canteras de Órrius, donde hoy día tiene su taller. Su primera exposición individual llegará en 1962 y desde el año siguiente realiza esculturas de grandes dimensiones, lo que será una constante en su obra.

En 1951 Cusachs conoció al escultor Josep Clará (1878-1958), que a su vez había conocido a Auguste Rodin (1840-1917) en París. Veinte años más tarde fue becado por la Fundación de Arte Castellblanch para realizar un curso en Perugia y expuso en el Palacio de la Vaccara. Desde entonces entra en el mundo de la fundición a la cera perdida en el taller de Manuel Parellada de Barcelona, donde sigue fundiendo sus esculturas. Su obra guarda cierta influencia o paralelismo con la del suizo Augusto Giacometti (1901-1966) y el escultor de El Vendrell Apel-les Fenosa (1899-1988).A grandes rasgos, este es el recorrido del escultor de los cuerpos físicos; pero paralelamente se desarrolla el artista que siente y reflexiona, descubriendo la importancia de dotar a su trabajo con un aporte psíquico y emocional que Cusachs, excelente contertulio, enriquece con su relación con importantes escritores catalanes del siglo XX, a destacar Joseph Pla, Salvador Espriu, Martí i Pol , Joan Fuster o Luís Racionero, entre otros muchos.

Se trata de la primera ocasión en que el artista presenta sus obras en Sitges. Cusachs expone en la Galería Pau d´Arara varios grupos temáticos, de esculturas de bronce. Por un lado, La Sardana, La catalanitat i Europa, La gent de la terra, Sant Jordi, La montaña y el río, El fuego verde y Les mans, pertenecientes a “D'una terra blava”, que tienen un carácter simbólico.Realmente suponen la continuación de las 12 esculturas que realizó bajo el título 12 ensenyes de Catalunya, de la que se expone Las cuatre croniques. En ambos casos Manuel Cusachs acometió el difícil reto de simbolizar las más entrañables características del pueblo catalán: la tierra, la mar, la gente, el país, las tradiciones...

De otro lado, Cusachs descubrió con la lectura de El caminant i el mur, en 1979, que Salvador Espriu, como diría José María Castellet, había tenido la capacidad de sintetizar parte de la herencia mítica de la humanidad: el Libro de los Muertos, del Antiguo Egipto, la Bíblia, la tradición mística judía y la mitología griega. A partir de entonces mantuvo largos encuentros con el poeta, le propuso dar forma, como esculturas, a las imágenes plásticas que los poemas le sugerían y le fue mostrando bocetos y dibujos. Espriu ilusionado con la iniciativa animó a Cusachs “Afanyi`s!”; y el artista realizó treinta y seis esculturas más el busto del poeta.

En homenaje a la tierra y la cultura –etimológicamente cultivo y crianza- Cusachs presenta cinco esculturas pertenecientes a la serie “Ceps”- Barbollex, El Sol, La Lluvia, El Cep, Ceps en Zel- realizadas en una textura cargada de significado.

La exposición se completa con tres esculturas de la serie Petit Format - Desnudos al sol, Noie dels cels y Torç en negre- y tres de la serie Signes del no-res, representando tres parejas – hombre/mujer, hombre-hombre y mujer/mujer- la última experiencia del artista, originales realizados directamente en cera para realizar el vaciado a la cera perdida.

Este importante artista catalán ha expuesto en Boston, París, Estrasburgo o Roma y cuenta con obras en la Sagrada Familia (San Joseph de Calssanç y Sant Ignasi de Loyola) en el Monastrio de Montserrat (L`abad Oliba y La Visitació) o el Pati dels Tarongers de la Generalitat de Catalunya (Flocs de ribot) y ha realizado docenas de monumentos públicos (Puig i Calafalch, José Pla, Sant Ignasi Caminant, Juli Cèsar…)

La exposición de esculturas de Manuel Cusachs se puede contemplar hasta el 20 de junio, y después en el fondo permanente, en la calle Major-9 de nuestra ciudad, la sede de Pau d`Arara en Sitges.

Texto: Francisco Lara Mora.

http://www.manuelcusachs.cat

Exposición PABLO QUERT. Sitges

 

OBRA GRÁFICA.

Pablo Raúl Quert Álvarez, nacido en Guantánamo (Cuba) el 25 de Enero del 1957, graduado de San Alejandro y del Instituto Superior de Arte, ISA, en las especialidades de Pintura, Grabado y Dibujo.

LLEVAR LA ISLA EN LOS OJOS.
Ahora que ya debe estar de regreso, debe llevar en los ojos Pablo Quert más luces de esa Habana que hizo suya hace muchísimos años. Sus ruidos y silencios, la tímida esperanza de su gente y el dolor de una ciudad que envejece cayéndose a pedazos. Como pidiéndole a Pablo Quert que la conserve él en su memoria, en sus ojos, y en la sangre que fluirá hacia sus pinceles.

Pablo Quert carga esa ciudad, la acuna, la lleva en brazos, la ha puesto a viajar en todas las luces de este planeta que tiene problemas más graves que la nostalgia y el desarraigo.

Texto: Ramón Fernández..

https://pabloquert.net/

Exposición CARLOS COSTA. Sitges

PINTURAS, CARLOS COSTA (Segovia, 1966).

Como otros artistas, ha mirado el pasado largamente después de sentirlo, admirarlo y aprender su ciencia y ha descubierto que las imágenes del ayer, las imágenes de un ayer revisitado, llevaban debajo de su piel imágenes de un hoy de técnica mixta, con un ánimo cubista, muchas emociones abstractas, alguna veleidad barroca y resultados decididamente pictóricos.

Estos descubrimientos han sido el resultado de una labor de descubridor, de revelador, iniciada desde el escalón más elemental y sustantivo de la pintura, el de la constitución de la paleta, para lo que ha viajado por tierras de Segovia buscando en los areneros, los collados y los caminos los pigmentos terrenales en los que pudiera resplandecer la luz y se armonizaran las presencias simultáneas del pasado y el presente de las imágenes. Nombres como Camino de Orejana o Arenero de Alameda, lugares de donde obtuvo los pigmentos, apoyan silenciosa pero realmente y con toda su fuerza las evocaciones italianas y los silencios holandeses junto a la heterogeneidad matérica y la sensibilidad temporal, uniendo las dos vertientes de su pintura, ayer-hoy, en un mismo trazo artístico.

Jesús Mazariegos escribía: ¿Qué es lo que ha logrado Costa con sus propuestas? Su mirada al pasado desde el presente la limpia de otras referencias contemporáneas porque él abre los frutos artísticos, para desvelar las otras realidades que se esconden en los materiales, arpillera que subyace, materia terrosa que limita o invade, papel que ayuda a fragmentar, a cambiar de dirección las imágenes humanas de medio cuerpo, cabeza o rostros que se extienden sobre el soporte. Abre el fruto artístico para ofrecernos una peculiar visión de la modernidad, visión que el público ha entendido y apreciado... En estos días en los que se respira la sensación de que muchas cosas finalizan, Costa plantea la más radical de las reflexiones y la explica sobre el lienzo en distintos lenguajes. Es una reflexión sobre la gran historia de la pintura: no hay progreso, no es un camino de perfección, no sirve para contar historias, no tiene fin. Costa ha viajado alrededor de la pintura y el final se ha convertido en principio” .

Texto: Adolfo Castaño (ABC 27/05/2000).

Exposición RESU GIL. Sitges (Barcelona)

PINTURAS. RESU GIL. Hinojos (Huelva) 1953.

Cuando la expresión camina por conceptos etéreos se puede llegar a lo inconcreto sobre el realismo de las marismas de Doñana. También se puede expresar la simbiosis entre lo visual y lo soñado a través del color que flota en el soporte de la tela. Pero quizás lo más importante es el trasfondo emocional qeu queda a medio camino entre la figura y el contexto, entre la realidad y la creación personal. Resu Gil acaricia las marismas, los atardeceres, los bosques y las aguas, evita el dramatismo entre lo material y lo etéreo, simplifica el camino y transforma lo evidente en un ejercicio de liberación personal y necesario.

Seguramente su mundo está más cerca de las formas y colores de sus cuadros que del marco cotidiano de una realidad evidente y compartida. Hay un innegable esfuerzo de convencerse a sí misma de que el mundo es de otra manera, y que esas percepciones de sensibilidad sureña nos son simplemente guiños de colores entremezclados. hay muchas tensiones internas, muchas misteriosas reacciones difícilmente comprensibles. Ese mundo tortuoso y cromático, aflora con la facilidad de un devenir  natural, de reflejos y destellos que ahora son como deberían ser.

Más que un pretexto, la pintura de Resu Gil refleja una necesidad. Pintura sin brusquedades, armónica, elaborada desde la ensoñación y el color. Expresión de un esfuerzo por llevar al lienzo la dificultosa irrealidad creativa. Un camino de luces y sombrasen que los suspiros son más importantes que los trazos y las lágrimas más verdad que cualquier figuración objetiva. En ese proceso de desmaterialización se adivina la generosidad de los anhelos, el protagonismo de la constancia, la pasión por dominar la plasmación de los colores, al explicarse lo inexplicable.

Hay también, una fuerte pretensión de querer volar muy alto, pero con los pies acariciando el agua, el viento, los amarillos intensos de los horizontes de todos los días. Quizás si se liberaran todos los soportes, si todos los colores estuvieran en la más total de las libertades, si todas las formas no fueran la afirmación de nada, sise perdieran todos los miedos a volar a lo más alto, las marismas de Doñana serían el cielo.

Texto: Eliseo de Pablos.

Exposición JOAN VINUESA BALIU. Sitges

PINTURES Y DIBUIXOS.

JO VOLÍA SER NO RES

PERÒ LA FUSIÓ DE LAS TRIBUS LLUITADORES I IL.LUSRADES ES TROVAR AMB EL PAS DEL TEMPS MOLT LIMITADA. PER TANT EM VAIG DIR: "HE DE BUSCAR LA PERSONAL CREACIÓ". POC DESPRÉS DE COMENÇAR A PINTAR VAIG DESCUBRIR EL MESTRE QUE ENS HAVIA PREDECIT. MORIR PRONTAMENT ¡ADÉS! ARA AMB EL SEU TESTIMONI ESTIC CAMINANT. RUTES QUE ES BARRÉJAN, CAMINS DE NINGÚ SI NO PER EL QUI PASA.

ÉS IGUAL, D´ENTRE L´EMBOLIC CAOTIC DE LA PINTURA ABANS DE LA LLUM, HE BUSCAT LA VISIÓ DE COM SERIEM ELS MÓNS QUE DE MI SURGEIXEN SI NO ESTIGUÉS PRECEDIT PEL MATEIX CAMÍ EN SI.

Texto: Joan Vinuesa.

Exposición SANTI MORATÓ. Sitges

REFLÈXES DE SANTI MORATÓ A PAU D'ARARA.

La galeria de arts aplicades Pau d'Arara ofereix en el seu espai d'exposició l'obra de Santi Morató, artista nascut a Castelví de la Marca. Reflèxes és el títol generic d'aquesta mostra que reunieix treballs sobre diversos suports emtre els que destaca la utilizació de resines sintètiques que contenen imatges del cos humà.

Format a l'escola Massana de Barcelona Santi Morató s'especialitzá en les tècniques de gravat i procediments pictòrics, ha participat en tallers de teatre i ha realizat un curso de motllos en guix a l'escola Arsenal. Ha col.laborat amb l'Institut d'Estudis Penedesencs realizant les il.lustracions dels premis literaris Sant Jordi 1988. Santi Morató ha traballat durant els darrers tres anys en el taller d'escultura i cerámica de Julio Bonobasa. La seva activitat artística s'ha vist reconeguda en diversas mencions en certàmens de pintura i escultura (jove pintura Galeria Anquinís de Reus 2000) i també ha estat un dels fundadors de l'associació T-45 de Barcelona. Darrerament ha participat en la II Bienal d'art de San Pere de Riudebitlles 2002 i ha estat primer premi de ceràmica en la mostra artística de Sant Raimon de Penyafort (Santa Margarida i els Monjos) en l'edició 2002-2003.

En colaboració amb Xavier Bartumeus i J. L. Padrina van muntar l'exposició "Les Troballes del Dr. Figuerola" a l'espai Agustí Massana del Poble Espanyol de Barcelona, mostra que després es va presentat a la Sala Trinitaris de Vilafranca del Penedès.

Santi Morató ha portat a la Sala d'exposició de Pau d'Arara els darrers treballs artístic que podrien dividir en dues categories, els pictorics i els escultorics. La primera divisió conforma un apartat on la image pictòrica remet als records del viatge a África (Senegal) i conté recursos tècnics que van més enllà de la pintura pròpiament dita, l'additament de fustes i altres materials utilizats a manera de collage en són el resultat d'aquesta recerca. En el segon apartat, l'escultòric, l'artista treballa amb resines sintètiques transparents que contenem imatges fotografiques o trossos de metall.

La superposició i la simultaneïtat d'imatges, així com la delimitació, a voltes superada o transgredida composa un món propi de gran potencial poètic. Les mans o el cos en moviment són dues imatges que l'artista treballa en profunditat.

Així doncs l'obra d'aquest artista penedesenc destil.la la imatge transformant-la en reflex, creant espais de transparència i opacitat, jugant amb les sensacions de liquidesa aqüàtica i solodesa fèrria. I aquí podríem fer una extrapolaciódel treball d'aquest jove artista amb la col.lecció que es conseva al Cau Ferrat en la qual Santiago Rusiñol va voler reunir les fràgils creacions de cristall i vidre amb la contundència dels ferros forjats.

Texto: Isidre Roset i Juan (L'ECO DE SITGES / 8 de març DEL 2003).

http://santimorato.blogspot.com.es/

http://www.zigordisseny.com/project/santi-morato/?lang=es

Exposición CRISTINA MARTÍNEZ. Sitges

 KACHINAS, ARGONAUTAS Y BICHOS CORRETONES. CRISTINA MARTÍNEZ ABELLÁN, CERÁMICA ARTÍSTICA.

La exposición está sembrada, a modo de tótems, de una decena de Kachinas. Muñecas que provienen de los indios Zufi y Hopi de Norteamérica, que las realizaban en madera, coloreadas y adornadas con plumas y accesorios. Literalmente, en hopi, significa “portadora de vida”. Son “espíritus respetados” de todas las fuerzas invisibles, desconocidas de la vida. Espíritus de plantas, aves, minerales, difuntos, planetas, estrellas…

Las Kachinas son regalos de vida, magia y misterio, y Cristina Martínez presenta una serie, con mensajes bien definidos: “Kachina www”, la reina de la comunicación; “Kachina Hermes Web”, el mensajero de la reina; “Kachina El Lluvia”, el que rompe las nubes con su hacha, provocando las tormentas; “Kachina La Lluvia”, atrae las gotas de agua para sí, protegiéndose espantada de la tormenta con su tocado pararrayos; “Kachina Frailecillo”, atrae la pesca en los días muy azules; “Kachina Lira”, atrae a las hembras de cualquier especie de pájaro, imitando el sonido, el canto de todos ellos, a modo de grabadora/reproductora. Tiene el don de la voz; “Kachina Tilonorrinco”, es el artista de los pájaros. Con su particular exposición de tesoros, cristalitos, plumas, hilos, chapas, caracolas, etc., sobre todo tipo de colores azules, llama la atención de los hombres, esperando pacientemente que les guste su obra, y si no la cambia; “Kachina Sideral Thannhauser”, una de las tres puertas del espacio; “Kachina sideral Andrómeda”, una de las tres puertas del espacio; “Kachina Sideral Orión”, Una de las tres puertas del espacio.

Obras realizadas en barro refractario, con engobes y óxidos, o gres, en el caso de Kachina La Lluvia, también con engobes y óxidos, cocidos a 1270º.

Cristina Martínez presenta una trilogía de Argonautas, realizada en barro refractario con engobes: “Argonautas a Zahara de los Atunes”, “Argonautas a Sitges” y “Argonautas a Oltra”. Preciosas obras que irradian un espíritu mágico, de humor y ternura, en los espacios que su autora decide conquistar. En la mitología griega, los Argonautas eran héroes que navegaron con Jasón, desde Págasas hasta la Cólquide, en busca del Vellocino de Oro.

La exposición se completa con la serie “Bichos corretones”, como su nombre indica, un bestiario muy especial que desprende ternura, realizado en barro refractario o gres en reducción o con óxido y engobes: “Antílope Kerala”, “Oso Hormiguero”, “Unicornio”, “Pájaro Tanios”, “Caracoles”, “Caballo Gabriel”, “Caballo Lola”, “Caballo Eolo”, etc.

El resultado de la exposición en Pau d'Arara desborda belleza, misterio, magia, delicadeza, carácter y genialidad. Genialidad inherente al que busca, entregado a desvelar los secretos y dominar la técnica milenaria de la cerámica, al tiempo que explora la experiencia en numerosos talleres para niños y para adultos, compartiendo su maestría.

Texto: Francisco Lara Mora.

Exposición FRANCISCO IGEÑO. Sitges

PINTURA & OBRA GRÁFICA.

Francisco Igeño (Córdoba, 1951), vive en Madrid desde 1963. Ha realizado más de sesenta exposiciones nacionales e internacionales, recibiendo numerosos premios, entre los que destacan: 2º Premio y Trofeo "El Punto de las Artes", Puerto Banús (Marbella), 1º Premio de la Crítica del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid y participando en Ferias de Arte como INTERART (Bélgica), ARTESUR (Granada, España), ARTE/SANTANDER (España), ART-TOULOUSE (Francia), INTERART (Valencia, España).

Inauguración GALERÍA DE ARTES APLICADAS PAU DÀRARA SITGES

EXPOSICIÓN COLECTIVA:
José Rincón (obra gráfica), Angel Chicharro (madera), Pepa Jordana (cerámica), Sastre (cerámica), Jesús Galparsoro (joyería), José Portilla (pintura), Marciano Buendía (cerámica), Francisco Lara (joyería), Montserrat Marfany (cerámica), Marina Vélez (pintura sobre seda), Genoveva Hita (pintura sobre seda), Géles Blázquez (telar artesanal), Lucía Formiconi (cuero), Roberto Galvão (pintura y obra gráfica) y Manuel Cusachs (escultura).

PAU D'ARARA. CONTACTO DIRECTO CON EL ARTE.

Hace más de tres meses, Sitges vio nacer una galería de arte cuya finalidad está adscrita en el significado de su nombre. En idioma portugués,  "Pau d'Arara" quiere decir "palo del loro", y este mismo nombre es el que se aplica a los vehículos que recorren los parajes amazónicos [en realidad, nordestinos] recogiendo viandantes para llevarlos a su destino. De aquí parte la esencia del proyecto de la galería Pau d'Arara: crear un vehículo de comunicación entre los artistas que se van integrando en dicha galería y su interlocutor, el público.

Centrándose en la obra de los artistas que pertenecen al fondo permanente de Pau d'Arara, la filosofía de esta galería se basa en ofrecer productos originales a precios razonables, que los mismos artistas estipulan, evitando el encarecimiento que supone la distribución y las comisiones de los mercaderes ajenos a la obra.

Dentro del grueso de autores que componen el fondo de esta galería multidisciplinar, creativa y contemporánea, cabe destacar el quehacer pictórico de José Portilla, José Ignacio Rincón, especialista en grabado calcográfico; el escultor Manuel Cusach, los ceramistas Pepa Jordana y Marciano Buendía, cuyo trabajo se centra en la cerámica escultórica y conceptual,  Sastre [cerámica de uso y decorativa], Angel Chicharro, con trabajos en madera; y los joyeros Francisco Lara, artista que combina su trabajo con xilografía, y Jesús Galparsoro.

Texto: Revista PASARELAS INTERNACIONALES.