La galeria d`arts aplicades presenta en l`establiment del carrer Major l`obra en vidre de Chantal Royant, artista bretona formada a Califòrnia sota els auspicis del "Studio Glass mouvement".
El seus traballs en vidre suggerixen l`ambivalència dels mitjans intermedis, les interfaces, de les malles i les retícules. Joc de transparències i d`absències, de plens i buits. En concret Pau d`Arara ha presentat escultures em forma de prisma i també petites joies que han obtingut na gran acceptació per l`originalitat i el color. Les bomboilles atrapades dins la massa de vidre són una de les catacterístiques d`aquesta artista que utiliza les tècniques de fusió, termoformació i Klincasting.
Chantal Royant ha exposat les seves cristalizacions de la Caisse d`Epargne de Bretagne a Rennes, establint un diàleg entre l`arquitectura i les seves escultures de vidre. Ha exposattambé a Miami i a Suïssa i ha realizat un taller a Estambul.
Les seves escultures han estat titulades intervals de vibració i peranyen al que ha estat nenominat vidre contemporani. Altres titols com Orígens remeten a la capacitat plàstica i magmàtica d`aquest material fràgil, màgic i virtuós que és el vidre.
Pau d`Arara amb aquesta mostra de vidre contemporani continua la tasca de posar al dia materials que des d`aantuvi han estat apreciats. En aquest any Rusiñol Pau d`Arara s`afegeix a l`homenatge que el col-lecionista del Cau va captar en essència.
Texto:Isidre Roset i Juan (L' ECO DE SITGES / 19 D'AGOST DEL 2006).
Desde 1980, Ana Thiel
(México, 1958) ha expresado su visión escultórica creando formas artísticas
únicas con vidrio fundido. En los últimos años comenzó a explorar nuevas
posibilidades formales a través de una serie de piezas ensambladas con objetos
encontrados tales como desechos industriales y materiales de construcción,
entre otros. Ha combinado estos materiales - metal y alambres oxidados, maderas
deslavadas, cordeles añejos, y recientemente libros e instrumentos musicales
descartados - con vidrio fundido directamente del horno, o bien vidrio como
material igualmente descartado, como lo son los parabrisas rotos. El vidrio
ofrece una coherencia visual y física a la totalidad de la obra y a los
artefactos abandonados les otorga un nuevo significado y vida.
Su actividad artística
incluye la creación de piezas únicas de joyería y de grabados sobre papel en la
técnica de colografía. Ha expuesto su obra ampliamente - México, Estados
Unidos, Europa, América Central y del Sur, Japón, China, Ucrania y Egipto.
Sus esculturas se
encuentran en diversas colecciones en todo el mundo, tales como el Museo
Universitario Contemporáneo de Arte en México DF, el Museo de Arte de
Querétaro, el Museo del Vidrio en Monterrey, el Museo del Vidrio de la
Fundación Centro Nacional del Vidrio en España, el Museo del Vidrio Ebeltoft en
Dinamarca, el Museo Nacional del Vidrio de Finlandia, el Museo de Arte Liberec
en la República Checa, y el Museo de Arte Moderno de Nueva Orleans, entre
otros.
"En enero de 2001
estuve trabajando en las instalaciones de la Universidad Estatal de Ohio en la
ciudad de Columbus. El tema que exploré fue el de combinar libros e
instrumentos musicales descartados con vidrio fundido, aprovechando la estancia
en un centro universitario donde sería más fácil encontrarlos. Fue interesante
conocer sus métodos de reciclado y el apoyo que brindan a los artistas,
ofreciéndoles materiales en un centro de acopio diseñado con ellos en mente. La
universidad tiene una galería llamada "Clean Space" En
una esquina puse una instalación que consta de muebles descartados. Los
anaqueles tienen en su interior libros quemados, y la cubierta de la mesa está
formada por libros. Sobre uno de los anaqueles está "Lectura al
Filo", y dos libros combinados con vidrio." (Ana Thiel).
En Pau d'Arara, Ana
Thiel muestra una colección de obras realizadas en vidrio colado, moldeado en
arena. Trabajado y conformado en caliente, en algunos casos con inclusiones de
vidrios prefundidos de color. Contrastando las caras con decoración de grabado
al ácido con otras pulidas.En otras, el vidrio
forma parte de composiciones de objetos encontrados (objet trouvé),
como libros, elementos metálicos de procedencia industrial o mobiliario de
madera.
Cuando la expresión camina por conceptos etéreos se puede llegar a lo inconcreto sobre el realismo de las marismas de Doñana. También se puede expresar la simbiosis entre lo visual y lo soñado a través del color que flota en el soporte de la tela. Pero quizás lo más importante es el trasfondo emocional qeu queda a medio camino entre la figura y el contexto, entre la realidad y la creación personal. Resu Gil acaricia las marismas, los atardeceres, los bosques y las aguas, evita el dramatismo entre lo material y lo etéreo, simplifica el camino y transforma lo evidente en un ejercicio de liberación personal y necesario.
Seguramente su mundo está más cerca de las formas y colores de sus cuadros que del marco cotidiano de una realidad evidente y compartida. Hay un innegable esfuerzo de convencerse a sí misma de que el mundo es de otra manera, y que esas percepciones de sensibilidad sureña nos son simplemente guiños de colores entremezclados. hay muchas tensiones internas, muchas misteriosas reacciones difícilmente comprensibles. Ese mundo tortuoso y cromático, aflora con la facilidad de un devenir natural, de reflejos y destellos que ahora son como deberían ser.
Más que un pretexto, la pintura de Resu Gil refleja una necesidad. Pintura sin brusquedades, armónica, elaborada desde la ensoñación y el color. Expresión de un esfuerzo por llevar al lienzo la dificultosa irrealidad creativa. Un camino de luces y sombrasen que los suspiros son más importantes que los trazos y las lágrimas más verdad que cualquier figuración objetiva. En ese proceso de desmaterialización se adivina la generosidad de los anhelos, el protagonismo de la constancia, la pasión por dominar la plasmación de los colores, al explicarse lo inexplicable.
Hay también, una fuerte pretensión de querer volar muy alto, pero con los pies acariciando el agua, el viento, los amarillos intensos de los horizontes de todos los días. Quizás si se liberaran todos los soportes, si todos los colores estuvieran en la más total de las libertades, si todas las formas no fueran la afirmación de nada, sise perdieran todos los miedos a volar a lo más alto, las marismas de Doñana serían el cielo.
Pablo Raúl Quert Álvarez, nacido en Guantánamo (Cuba) el
25 de Enero del 1957, graduado de San Alejandro y del
Instituto Superior de Arte, ISA, en las especialidades de Pintura,
Grabado y Dibujo.
LLEVAR LA ISLA EN LOS OJOS.
Ahora que ya debe estar de regreso, debe llevar en los ojos Pablo Quert más
luces de esa Habana que hizo suya hace muchísimos años. Sus ruidos y silencios,
la tímida esperanza de su gente y el dolor de una ciudad que envejece cayéndose
a pedazos. Como pidiéndole a Pablo Quert que la conserve él en su memoria, en
sus ojos, y en la sangre que fluirá hacia sus pinceles.
Pablo Quert carga esa ciudad, la acuna, la lleva en brazos, la ha puesto a
viajar en todas las luces de este planeta que tiene problemas más graves que la
nostalgia y el desarraigo.
Especializado en cerámica contemporánea, he recorrido
el mundo estudiando modos de cocción de culturas antiguas, desarrollos
escultóricos de la antigua Camboya, creación de los guerreros de terracota de
Xian, cerámica precolombina… Creador de obras escultóricas de gran formato, de la
cerámica Teselica.
La historia artística de De las Heras se remonta
a 1992 cuando monta su primer estudio en Zamarramala “para salir adelante” y
gracias a la cerámica ‘tesélica’ alcanzó el prestigio internacional durante
quince años. Reconoce De las Heras que “siempre hice escultura y poesía” pero
“la transición hacia mi faceta actual fue hacer una serie de obras monumentales
como la escultura de Nicomedes García en el Área Industrial de Valverde así
como trofeos para premios”.
PINTURAS DE MAYTE VIVANCO Y ESCULTURAS DE JUAN VIVANCO.
Quizás exista un cierto y leve nexo o correspondencia plástica en cuanto a valoración de materiales, entre estos dos expositores.
Mayte Vivanco es una pintora de arranque expresivo, que en esta exposición cuelga unos cuadros vigorosos y muy matéricos. Es posible que en alguno de estos cuadros tanta acumulación de materia parezca (a este crítico le parece) un tanto gratuita o no justificada. Nos puede preguntar el lector a este respecto: ¿Cuál es la regla o norma por la cual se puede afirmar qeu la incorporación a la superficie de un cuadro de materiales gruesos (también llamada "cocina" o "calidades") es correcta o incorrecta?
Porque vemos obras de artistas renombrados, como los pintores Barceló, Mathieu o Tápies, aceptadas y ensalzadas, que incorporan materias en enormes dosis, (Barceló en sus primeros cuadros playero-mediterráneos, hasta metía chapas de botellines de cerveza). Pienso que no hay tal norma, y que del exceso se deriva una sensación de inautenticiadad: Es como el escritor que abusa de las metáforas, los adjetivos calificativos, las comillas o los puntos suspensivos... No obstante diré también que hay dos cuadros (matéricos) que me gustan: El "Violinista", y una marina en la que aparece una pequeña barca. Y una acuarela apaisada, simple, sincera y pequeña, que tiene equilibrio, y es bonita y agradable.
A Juan Vivanco le ocurre algo parecido con sus raíces-esculturas. Son también expresivas y algunas muy bien intencionadas (la dedicada al horror del 11-M), pero...utiliza demasiadas raíces vegetales, que convierten las esculturas en anécdotas (el lector podrá replicar también: Picasso creó una cabeza de toro solo con un sillín y un manillar de bicicleta de carreras... Ya, pero -argumentaré yo- Picasso no se pasó la vida haciendo esculturas con bicicletas viejas, también sería excesivo y gratuito un escultor que se dedicara a crear objetos y volúmenes a base de cepillos de dientes. También diré que la escultura de la bicicleta de madera que presenta me parece interesante y personal. Y por lo tanto auténtica.
Texto:Antonio Madrigal. (EL ADELANTADO DE SEGOVIA, 11/02/2005).
L'obra
gràfica a color de Rafa Tardón está realizada en la seva maioria amb medis
informátics i també a través d'uma impressió digital; a més,tres de les peces
que es presenten en l'exposició que va a ser inaugurada dissabte passat ,
han estat realitzades a través de mitjans termogràfics utilizant el tòrcul
(màquina tradicional en l' estampació de gravats).
Rafa Tardón, artista nascut a Segovia, ha retrobat vells amics sitgetans amb
els que compartía les temporades d'estiu des de l'any 1968 fins 1976, any més
any menys, ocupant el passeig de la Ribera on ofería als turistes quadres de
pillets de platja, la seva especialitat. Recordant aquells anys setanta Rafa
tardón, que aleshores era més conegut com "el Ros", firmant les seves
teles amb el psedònim "Ros", rememora l'ambient del passeig, des del
Greco al Xiringuito i fins més enllá del pinar, un espi d'exposició a l'aire
lliure semblant al de la Place du Theatre del Montmatre parisenc. De fet Rafa
va començar en aquel famós indret de París, pero degùt als moviments
estudiantils de l'any 68, la capital francesa es va aturar, turísticament
parlant, i els pintors i artistes d'aquella pintoresca plaça van escapar-se cap
a la costa atlàntica uns i altres vers la costa mediterrània. sitges fou el
destí d'alguns d'aquest pintors , retratistes la seva maioria, que desembacarem
a les Rambles barceloneses i al passeig de la Ribera , conformant un acomunitat
entre romàntica i bohèmia, una imagen encara present i que els més vells
recordaranamb els pintors sota les palmeres del passeig fent retrats.
Tardón ho recorda amb la nosàlgia dels temps passats, el temp de la juventut,
quan al matí plantava el cavallet al bell mid del passeig i iniciava la seva
tasca en directe, quan deixava l'obra gairebé acabada, i marxava a dinar en una
de les terrasses. Més d'un cop, explica, "els clients ens havien deixat
els diners enganxats a la pinça que aguantava obra i preu, eren oltres
temps".
Només calia, als voltants de mitjans de maig, omplir una instància adreçada al
Consistori Municipal, exposant les intencions i sol.licitant permís per
exercitar els dits i l'enginy dibuixant i pintant "au plein ar
maritime". Encara, Tardón ens narra la peripècia i l' anècdota,
d'una any que arribá a Sitges un cop els permisos ja havien estat otorgats
i de com un "urbano", d'aquells d'aleshores, va defensar l'obra del
Ros, "aquellque pinta nens de carrer i pillets de port".
Els pintors de la Ribera eren tota una institució, una escola d'art a l'aire
lliure que a Sitges tenia un cert nivell i una declarada projecció de futur.
D'allà envan sortir no pocs artist qeu avui exerceixen la seva professió amb
dignidatat i ofici. Tardón n'és un un d'aquests. Les seves obres ceràmiques
lluixen en els jardins segovians. En el seu camí ha anat trobant companys
artistes i espais d'art però cap comaquell de La Ribera i aquells pintors del
passeig i aquell Sitges dells anys setanta amb les primeres sueques, les
sangries, les paelles i els night clubs. Ara al cap de trenta anys i escaig
d'anys Tardón ha retornat a Sitges per exposar a Pau d'Arara les seves visions
i somnis digitalizats. Tota uma evolução viscuda i
tranada amb vells recordos.
Texto: Isidre Roset i Juan (L'ECO DE SITGES / 2 d'octubre del
2004).
TARDÓN EN PAU D'ARARA (traducción)
La obra gráfica en color de Rafa Tardón está realizada con medios informáticos
y tambien a través de la impresión digital; además, tres de las piezas que se
presentan en la exposición que fue inaugurada el sabado 25 de septiembre
pasado, han sido realizadas a través de la técnica de electrografía utilizando
el tórculo ( máquina tradicional en la estampación de grabados).
Rafa Tardón, artista nacido en Segovia, se reencontró con sus viejos amigos de
Sitges con los cuales compartia las temporadas estivales desde el año 1968
hasta el 1976 , año más año menos, ocupando el paseo de la Ribera donde ofrecia
a los turistas y residentes sus cuadros de pequeños vagabundos de playa, su
especialidad en aquel momento. Recordando aquellos años setenta Rafa Tardón,
que era conocido popularmente como Ros , firmando sus telas con este
pseudónimo, rememora el ambiente del paseo, desde la estátua monumento dedicado
al Greco, pasando por el Xiringuito hasta el pinar frente el Hotel Calípolis,
un espacio de exposición al aire libre muy parecido al de la Place du
Theatre del Montmatre parisino. De hecho Rafa empezó en aquel
famoso lugar de París, pero, debido a los movimientos estudiantiles del 1968,
la capital francesa se paró , turísticamente hablando, y los pintores y
artistas de aquella pintoresca plaza se marcharon hacia la costa atlantica unos
y otros hacia la costa mediterránea. Sitges fue el destino de algunos de estos
artistas, retratistas en su mayoria que desenbarcaron en las Ramblas de
Barcelona y en el mencionado paseo de la Ribera sitgetana, conformando
una comunidad entre romántica y bohémia, una imagen presente aún hoy y que los
más viejos recordaran con los pintores bajo las palmeras del paseo haciendo
retratos.
Tardón lo recuerda con la nostalgia de los tiempos pasados, el tiempo de la
juventud y las cerezas, cuando por la mañana plantaba el caballete en medio del
paseo bajo la sombra del pinar y iniciaba en directo su labor pictòrica; cuando
dejaba la obra, casi terminada, y marchaba al baño y luego al almuerzo en una
de las concurridas terrazas. “ Más de una vez” explica elocuente, “ los
clientes habian dejado el dinero cojido a la pinza que sostenia obra y
precio... eran otros tiempos.” Solamente era necesario, a mediados de
mayo, rellenar una instáncia dirigida al Consistorio, exposniendo las
intenciones y solicitando permiso para ejercitar los dedos y el ingenio
dibujando y pintando “ au plein air maritimme”. Todavia, Tardón , nos narra la
peripécia y la anécdota de una año que llegó a Sitges una vez los permisos ya
habian sido concedidos i de como un guardia urbano, de aquellos de entonces,
defendió la obra y el puesto en la Ribera del Ros “ Aquel que pinta los
pequeños niños vagabundos, pilluelos de playa graciosísimos.”
Los pintores de la Ribera eran toda una institución, una escuela de arte al
aire libre que en Sitges mantenia un cierto nivel artístico y con una declarada
proyección de futuro. De allà fueron saliendo no pocos artistas que hoy ejercen
su profesión con dignidad y oficio. Tardón es uno de ellos. Sus obras
cerámicas murales lucen en los jardines segovianos. En su camino ha ido
encontrando compañeros artistas y descubriendo espacios de arte pero ninguno
como aquel de la Ribera y aquellos pintores del paseo, ese Sitges de los
setenta con sus primeras suecas, sus paellas, las sangrias y los “night
clubs”. Ahora al cabo de treinta y no pocos años Tardón a vuelto a Sitges para
exponer en Pau d’Arara sus visiones y sueños digitalizados.
Toda una evolución vivida y trenzada con viejos recuerdos.
Texto:Isidre Roset i Juan (L'ECO DE SITGES / 2
d'octubre del 2004).
PINTORS AL PASSEIG
L'altre
dia passejant pel nostre únic Passeig, i valgui la redundància, em vaig posar
un xic melancòlic tot pensant en anys anteriors, quan hi havia una sèrie
de pintors de cavallet i retratistes per determinades zones, Sitges , llavors
tenia una mica més de panorama bohemi que no pas ara, fins i tot s'assemblava
al mític quartier de Montparnasse de París quan els artistes van deixar
Montmartre , o bé als dos al mateix temps. L'espirit bohemi que es respirava
llavors difícilmente tornará.
No sé si feien algun mal els artistes damunt el passeig, por ser al final n'hi
havi amassa, però a mi m'agradava i m'hi sentia a gust.
Alguns dels que hi havia després s'han consagrat com a bons pintors, mica a
mica, van a anr deixant de fer retrats al carbó a la sanguina o al pastell i
anaven combinant el seu temps tot preparant teles i pintant a casa seva altres
coses diferents que els han arribat a fer, més o menys, famosos, no dic bons,
perqué un artist per a mi sempre és bo, el que passa si de cas és que pot
agradar, més o menys, la seva pintura i aixó és un altre tema. No vull dir noms
perquè més d'un es podria sentir ofès d'haver estat en penúries i fent retrats
al passeig, car algun d'ells són molt seus, però jo crec que no s'haurien de
penedir d'aquella èpocai "a lo hecho...pecho y con mucha honra".
De tant en tant me'ls guaitava mentre pintaven i xerrava amb ells de bon
rotllo, fins i tot una vegada amb un d'ells que portava calça curta, barbeta i
anva una mica desmanegat, mentre preparava una tela li vaig dir, "si no
das una pincelada más, me lo quedo tal como está, bueno si acaso con tu
firma", ell en va mirar tot pensant, "éste se ha vuelto majara",
va fer un parell de passes enrera, se'l mira i remirà tot dient "pues no
está mal, si te gusta así, ahora lo firmo y te lo llevas" dit i fet, vaig
pagar, no me'n recordo ben bé si eren 1.500 pessetes d'aquell temps i amb molt
de compte perquèla pintura encara estava frescame'l vaig endur i encara el
sevo, pot ser ara no m'agrada tant com llavors, però em segueix agradant.
AFEGIT: Aquesta col.laboració ha vingut a "cuento" perquè un d'
aquells pintors que feia temps no sabia res d'ell, ara ha vingut a exposar a la
Galeria Pau d'Arara, al carrer Maior, 9. En aquell temps pintava vailets
despentinats amb cara de pillos", amb una pilota o amb "L'Eco de
Sitges" sota el bras que encara en tenen un als tallers d'aquest
setmanari, signava Ros i ara Rafa Tardón, no té res a veure amb el que feia per
més que jo ja ho sabia car en va a dedicar un dibuix en un bloc que li vaig oferir
i realment i pel meu gust ho feia força bé. Hi serà fins el proper 25 i exposa una obra gràfica feita a l'ordenador.
Texto: Josep Mª Matas-Arnalot (L'ECO DE
SITGES / octubre del 2004).
El título de la exposición responde al proceso de investigación de pintar al óleo sobre arena de playa, pegada en madera, en un paciente y largo viaje de texturas y formas inesperadas. Donde se pueden ir incrustando todo tipo de elementos encontrados por las playas y rocas, dibujando una base inspiradora en donde el color o sus ausencia conforman un mapa para la realización final del cuadro. Tras su endurecimiento o fraguado, que dura de dos a cuatro días, se puede realizar la obra.
Este proceso de cocina es utilizado por algunos pintores para dar texturas sobre lienzos con diferentes materiales; polvo de mármol, arena, serrín, etc., pero hay muy pocos que lo fijan como base total, donde los indios norteamericanos fueron unos verdaderos maestros, suscitando el interés de los expresionistas abstractos del siglo pasado.
También es una forma de agradecimiento por mostrar su belleza natural, dejándola congelada en el tiempo y en el espacio, colgada de la pared como un momento de fugaz de la memoria. Un macrocosmos retratado donde se posan cosas, insectos, caracolas, objetos abandonados y redes asesinas.
El pintor se inspira en visiones felices del recuerdo y el estudio, colores adivinados en paletas procedentes de lejanos lugares, luces y colores mediterráneamente sorollescos o dalinianos, gamas caribeñas, ritmos de Jazz y existencialismo, hippismo o Pop Art, se funden en un resultado personal y ecléctico, todo ello afianzado en un sólido dibujo trabajado a lo largo de su vida , como base fundamental del oficio, con diferentes técnicas: lápiz, bolígrafo, tinta china, palillo, barra, cera, acuarela o carbón.
Pero lo más importante para él es la comunicación de las ideas y sentimientos con el espectador. Amén de las técnicas útiles que utiliza, lo fundamental es la historia de cada cuadro y el resultado final de la muestra en su conjunto. Proponiendo un viaje sonriente y feliz por los rincones de la galería.
...personalmente quiero situarme en el ya antiguo oficio de pintor y, si es posible, disfrutar investigando.
Texto:Juan Alberto Arteche.
COLOR EN LA ARENA. (Antonio Madrigal).
Ese sentimiento de diluirse uno mismo como una gota de agua entre las olas del mar, formando luego nuestra persona, nuestro yo, parte orgánica de las arenas de la playa mediterránea, de los matojos y florecillas qeu pugnan por nacer entre las dunas, de los arbustos y banderas, de las algas marinas y crustáceos, esa idea del Dios-Naturaleza, o del Dios-Universo, estuvo muy en boga en los 60-70 del pasado siglo.
Era cuando el arriba firmante contaba con veintitantos años, y pensaba de manera parecida...¡Eran los tiempos hippy! Hippys y neo-hippys (y también "pseudo-hippys" que los había rematadamente falsos...) se aprestaban por aquel entonces a concelebrar la gran misa naturista del pacifismo del pacifismo, condenando todas las guerras del orbe, coronados todos con flores bajo los sonidos del sitar hindú, rodeados de "inciensos" muy particulares, de brillantes colores lisérgicos, y cabalgando Lucy por el Cielo con sus diamantes radiantes...
El artista Juan Alberto Arteche pertenece más o menos a esta época, y además participó activamente en su expresión musical pop-folk en España, ya que es persona de varias facetas: nada menos que formó parte del pionero "Nuestro Pequeño Mundo", formación emblemática que ya está en la historia del folk de nuestro país, de enorme éxito y que abrió puertas; y también de "Aguaviva, otro grupo histórico. Pero esta no es la sección de crítica musical del periódico, y tenemos que opinar sobre el Arteche pintor, que estos días expone en la galería Pau d'Arara.
Nos presenta Arteche una pequeña colección de pinturas que constituyen una patente evocación de su identidad mediterránea: el pintor es de Palma de Mallorca, es un mediterráneo ejerciente. Yo lo creo sincero, muy sano de espíritu, pero...demasiado "soleados", demasiado arenoso, demasiadas brisas, moluscos, redes y conchas hay en estros cuadros por otra parte bienintencionados. Contienen un mensaje tan lineal, tan evidente y tan recalcado, que pierde consistencia porque parecen consignas. Además, la pintura debe explicarse por sí sola, y no con coletillas literarias (conocemos artistas que pintan tanques negruzcos con margaritas que les salen por el cañón: eso es la paz", para ellos...). Estos elementos parece que se añaden al lienzo de forma gratuíta. Se me dirá que grandes pintores reconocidos incorporaron arenas y otros materiales a sus celebrados cuadros (Benjamín Palencia, en los años 30, Barceló, que incluso pegaba al cuadro chapas de botellines de cerveza y cáscaras de cabezas de camarones...). Pero lo hicieron -y ahora otros lo hacen- de una manera coherente, realizando tales incorporaciones y añadidos de una forma no gratuita, y sí natural.
De todas formas repito que considero a Arteche una persona valiosa, interesante, sincera, artista y sensible. ¿Le servirán de algo las opiniones de este crítico, que ya ha visto en su vida muchos objetos. Demasiados, pegados a los cuadros de demasiados pintores?
Texto:Antonio Madrigal. (EL ADELANTADO DE SEGOVIA, 15/09/2004).
Como otros artistas, ha mirado el pasado largamente después de sentirlo, admirarlo y aprender su ciencia y ha descubierto que las imágenes del ayer, las imágenes de un ayer revisitado, llevaban debajo de su piel imágenes de un hoy de técnica mixta, con un ánimo cubista, muchas emociones abstractas, alguna veleidad barroca y resultados decididamente pictóricos.
Estos descubrimientos han sido el resultado de una labor de descubridor, de revelador, iniciada desde el escalón más elemental y sustantivo de la pintura, el de la constitución de la paleta, para lo que ha viajado por tierras de Segovia buscando en los areneros, los collados y los caminos los pigmentos terrenales en los que pudiera resplandecer la luz y se armonizaran las presencias simultáneas del pasado y el presente de las imágenes. Nombres como Camino de Orejana o Arenero de Alameda, lugares de donde obtuvo los pigmentos, apoyan silenciosa pero realmente y con toda su fuerza las evocaciones italianas y los silencios holandeses junto a la heterogeneidad matérica y la sensibilidad temporal, uniendo las dos vertientes de su pintura, ayer-hoy, en un mismo trazo artístico.
Jesús Mazariegos escribía: ¿Qué es lo que ha logrado Costa con sus propuestas? Su mirada al pasado desde el presente la limpia de otras referencias contemporáneas porque él abre los frutos artísticos, para desvelar las otras realidades que se esconden en los materiales, arpillera que subyace, materia terrosa que limita o invade, papel que ayuda a fragmentar, a cambiar de dirección las imágenes humanas de medio cuerpo, cabeza o rostros que se extienden sobre el soporte. Abre el fruto artístico para ofrecernos una peculiar visión de la modernidad, visión que el público ha entendido y apreciado... En estos días en los que se respira la sensación de que muchas cosas finalizan, Costa plantea la más radical de las reflexiones y la explica sobre el lienzo en distintos lenguajes. Es una reflexión sobre la gran historia de la pintura: no hay progreso, no es un camino de perfección, no sirve para contar historias, no tiene fin. Costa ha viajado alrededor de la pintura y el final se ha convertido en principio” .
Cuando la expresión camina por conceptos etéreos se puede llegar a lo inconcreto sobre el realismo de las marismas de Doñana. También se puede expresar la simbiosis entre lo visual y lo soñado a través del color que flota en el soporte de la tela. Pero quizás lo más importante es el trasfondo emocional qeu queda a medio camino entre la figura y el contexto, entre la realidad y la creación personal. Resu Gil acaricia las marismas, los atardeceres, los bosques y las aguas, evita el dramatismo entre lo material y lo etéreo, simplifica el camino y transforma lo evidente en un ejercicio de liberación personal y necesario.
Seguramente su mundo está más cerca de las formas y colores de sus cuadros que del marco cotidiano de una realidad evidente y compartida. Hay un innegable esfuerzo de convencerse a sí misma de que el mundo es de otra manera, y que esas percepciones de sensibilidad sureña nos son simplemente guiños de colores entremezclados. hay muchas tensiones internas, muchas misteriosas reacciones difícilmente comprensibles. Ese mundo tortuoso y cromático, aflora con la facilidad de un devenir natural, de reflejos y destellos que ahora son como deberían ser.
Más que un pretexto, la pintura de Resu Gil refleja una necesidad. Pintura sin brusquedades, armónica, elaborada desde la ensoñación y el color. Expresión de un esfuerzo por llevar al lienzo la dificultosa irrealidad creativa. Un camino de luces y sombrasen que los suspiros son más importantes que los trazos y las lágrimas más verdad que cualquier figuración objetiva. En ese proceso de desmaterialización se adivina la generosidad de los anhelos, el protagonismo de la constancia, la pasión por dominar la plasmación de los colores, al explicarse lo inexplicable.
Hay también, una fuerte pretensión de querer volar muy alto, pero con los pies acariciando el agua, el viento, los amarillos intensos de los horizontes de todos los días. Quizás si se liberaran todos los soportes, si todos los colores estuvieran en la más total de las libertades, si todas las formas no fueran la afirmación de nada, sise perdieran todos los miedos a volar a lo más alto, las marismas de Doñana serían el cielo.
Cuando la expresión camina por conceptos etéreos se puede llegar a lo inconcreto sobre el realismo de las marismas de Doñana. También se puede expresar la simbiosis entre lo visual y lo soñado a través del color que flota en el soporte de la tela. Pero quizás lo más importante es el trasfondo emocional qeu queda a medio camino entre la figura y el contexto, entre la realidad y la creación personal. Resu Gil acaricia las marismas, los atardeceres, los bosques y las aguas, evita el dramatismo entre lo material y lo etéreo, simplifica el camino y transforma lo evidente en un ejercicio de liberación personal y necesario.
Seguramente su mundo está más cerca de las formas y colores de sus cuadros que del marco cotidiano de una realidad evidente y compartida. Hay un innegable esfuerzo de convencerse a sí misma de que el mundo es de otra manera, y que esas percepciones de sensibilidad sureña nos son simplemente guiños de colores entremezclados. hay muchas tensiones internas, muchas misteriosas reacciones difícilmente comprensibles. Ese mundo tortuoso y cromático, aflora con la facilidad de un devenir natural, de reflejos y destellos que ahora son como deberían ser.
Más que un pretexto, la pintura de Resu Gil refleja una necesidad. Pintura sin brusquedades, armónica, elaborada desde la ensoñación y el color. Expresión de un esfuerzo por llevar al lienzo la dificultosa irrealidad creativa. Un camino de luces y sombrasen que los suspiros son más importantes que los trazos y las lágrimas más verdad que cualquier figuración objetiva. En ese proceso de desmaterialización se adivina la generosidad de los anhelos, el protagonismo de la constancia, la pasión por dominar la plasmación de los colores, al explicarse lo inexplicable.
Hay también, una fuerte pretensión de querer volar muy alto, pero con los pies acariciando el agua, el viento, los amarillos intensos de los horizontes de todos los días. Quizás si se liberaran todos los soportes, si todos los colores estuvieran en la más total de las libertades, si todas las formas no fueran la afirmación de nada, sise perdieran todos los miedos a volar a lo más alto, las marismas de Doñana serían el cielo.
Cuando la expresión camina por conceptos etéreos se puede llegar a lo inconcreto sobre el realismo de las marismas de Doñana. También se puede expresar la simbiosis entre lo visual y lo soñado a través del color que flota en el soporte de la tela. Pero quizás lo más importante es el trasfondo emocional qeu queda a medio camino entre la figura y el contexto, entre la realidad y la creación personal. Resu Gil acaricia las marismas, los atardeceres, los bosques y las aguas, evita el dramatismo entre lo material y lo etéreo, simplifica el camino y transforma lo evidente en un ejercicio de liberación personal y necesario.
Seguramente su mundo está más cerca de las formas y colores de sus cuadros que del marco cotidiano de una realidad evidente y compartida. Hay un innegable esfuerzo de convencerse a sí misma de que el mundo es de otra manera, y que esas percepciones de sensibilidad sureña nos son simplemente guiños de colores entremezclados. hay muchas tensiones internas, muchas misteriosas reacciones difícilmente comprensibles. Ese mundo tortuoso y cromático, aflora con la facilidad de un devenir natural, de reflejos y destellos que ahora son como deberían ser.
Más que un pretexto, la pintura de Resu Gil refleja una necesidad. Pintura sin brusquedades, armónica, elaborada desde la ensoñación y el color. Expresión de un esfuerzo por llevar al lienzo la dificultosa irrealidad creativa. Un camino de luces y sombrasen que los suspiros son más importantes que los trazos y las lágrimas más verdad que cualquier figuración objetiva. En ese proceso de desmaterialización se adivina la generosidad de los anhelos, el protagonismo de la constancia, la pasión por dominar la plasmación de los colores, al explicarse lo inexplicable.
Hay también, una fuerte pretensión de querer volar muy alto, pero con los pies acariciando el agua, el viento, los amarillos intensos de los horizontes de todos los días. Quizás si se liberaran todos los soportes, si todos los colores estuvieran en la más total de las libertades, si todas las formas no fueran la afirmación de nada, sise perdieran todos los miedos a volar a lo más alto, las marismas de Doñana serían el cielo.
LA SOMBRA DE LA RIQUEZA. PINTURAS, Raúl Bravo (Madrid, 1975).
LA PINTURA MODERNA ES UN JUEGO ATEO. Un día , cuenta Roger Callois, en compañía de Elouard y si bien recuerdo, de Y ves Tanguy, fuimos a un cine de los boulevards donde daban daban una película tipo Quo Vadis? Con el único fin de aplaudir ruidosamente en el momento en que los cristianos eran echados a las fieras.
Y desde la desesperación ante la muerte aparece la filosofía. Y desde la filosofía, decía Hegel, moriría el arte. Y curiosamente el arte del retrato va siempre ligado a la muerte. Dice pedro Azara qeu la imagen del retrato testimonia l amuerte o la desesperación dle modelo. Si este fuera inmortal, si fuéramos eternos no necesitaríamos retratos.
Pero podemos plantearnos esta afirmación también en términos fotográficos. ¿por qué nos cuesta tanto romper una foto? ¿Por qué nos cuesta tanto romper un afoto de la que podemos hacer millones de copias? ¿Por qué una foto puede hacernos tanto daño? -Ya sea por su extremado realismo, decía Barthes que en la fotografía, gracias a su funcionamiento de captación en el papel fotográfico del reflejo de la luz sobre la superficie del modelo, siempre existe algo de verdadero, de real, un contacto eterno con el modelo.
Algo así ocurre con las máscaras mortuorias de cera, del muerto, que se utilizaban en la Roma Republicana para hacer veraces los retratos de piedra de los difuntos qeu encargaban las familias.
Todo lo dicho parece que viene a decirnos dos cosas:
Que el arte del retrato siempre fue cosa de muertos.
Que el arte del retrato siempre representa a muertos.
En una foto aparecida en el número ocho de la Revolution Surrealiste (1926), aparece Benjamin Peret, famoso surrealista, insultando a un cura que pasa delante suyo. Desafiándole, como si fuera a pegarle.
Son pieles, me dice Raúl -el pintor- en su estudio. Me dice que son las pieles de la misa de 12. De esas que estamos hartos de ver. Pieles trasnochadas de una sociedad trasnochada. Son esas pieles qeu se cuelan en los autobuses. Son esas pieles que van con tacones y chándal al supermercado. Son pieles de las cristianas.
Cuentan de Buenaventura Durruti que desde pequeño quería repartirlo todo. Cuando iba a robar a las huertas de su ciudad natal, León, todo lo que robaban lo compartía con sus compañeros. Un día, el dueño de una finca de León pilló a Durruti y a unos amigos robando. Les dijo que se fueran de allí, que esa era su finca. Durruti parecía no haberlo oído, no estaba nervioso, iba andando lentamente, desafiando al dueño. El dueño de la finca dijo: "La finca es mía".
- Y Durruti le contestó: ¿Y dónde está la mía? ¿Por qué no tengo ninguna?
-"Los voy a apalear" le dijo el dueño.
-"Atrévase", le respondió Durruti.
Parece que como Buenaventura, Raúl -el pintor- quiere saber dónde está la suya, dónde está su piel, ¿por qué no tengo ninguna? -Como Durruti, Raúl la quiere para compartirla. Para destruirla, y desde la destrucción, construirla. Raúl quiere su piel para pintar con ella. Para pintarla. Para luchar con ella. Para luchar contra ella.
OBRA GRÁFICA, JOAN JOSEP THARRATS I VIDAL, (Gerona, 1918 – Barcelona, 2001).
Las maculaturas son obras realizadas mediante una técnica gráfica mixta creada en 1954, por Tharrats, de repercusión internacional. La maculatura surge de las máculas de imprenta, es decir, de la hoja impresa de manera defectuosa, atascado entre los rodillos de la prensa y manchado por las retintadas sucesivas.
Tharrats, fundador del grupo Dau al Set, divulgador del arte y creador de las maculaturas, se dio cuenta que a veces las máculas de imprenta conseguían por azar una belleza muy característica. Sobre esta base, enriquecida con todo tipo de materiales y manipulaciones, consigue unas piezas de una gran calidad artística. En la maculatura se hace patente el estilo artístico de Tharrats, fundamentado en un informalismo de ricas texturas, grafía libre y color abundante. A caballo de la creación y el descubrimiento, en la maculatura intervienen elementos «artísticos», tales como el error, la recuperación de material de desecho y el compromiso del artista con su contexto cultural, que son claves para el futuro arte contemporáneo.
Una vez más la madrastra se hace madre a medias, pues no es una madre completa aquella que se acuerda de su hijo cuando éste ya ha alcanzado fama y glória. Hablo de España -la madre- y Clavé -el hijo-. Aunque realmente las etiquetas de propiedad nacional sólo son para un artista, especialmente hoy en día que tendemos a una globalización, desgraciadamente demasiado agrisadora, que anula el nacionalismo restrictivo a la producción artística.
Conocí a Calvé a principios de 1990, gracias a un trabajo de investigación sobre la presencia de los diferentes procesos de estampación artística en el grueso de su diversa obra plástica. Aquella investigación que hoy, con la distancia, reharía por completo, tuvo algo muy bueno: la oportunidad de conocer personalmente a Clavé.
Siendo yo tan joven, mucho más ignorante e inexperta de lo que pueda ser todavía, aun hoy me pregunto cómo este artista , consagrado ya hacía muchos años, tuvo la paciencia de perder el tiempo conmigo y dedicarme su palabra, por escrito y en persona; palabra de la que sigo sacando provecho y conocimiento. Me encontré con un hombre de una discreta presencia física, acompañado de su esposa Madelaine, que se notaba más que él; quizá porque me fijé en su suave pelo blanco.
Él nació en Barcelona, en 1913, -fecha importante para comprender el carácter del artista y su obra-. Si pesimista era el panorama social de principios de siglo, que provocó la nebulosa encabezada por el dadá,no lo es menos el de los años 30-40. Empezando por Wall Street (1929) y siguiendo con todos los acontecimientos que culminaron en una segunda guerra mundial; sin olvidar la guerra civil española. Así la Abstracción que, precursada en 1910 por Kandinsky, había ido ganando terreno al dadá y demás tendencias, se convierte en la filosofía artística del momento evolucionando de lo geométrico a lo expresionista.
La diferencia para Clavé, entre estos dos tiempos (1916 y 1940) de evolución artística, estriba en que en el segundo juega un papel y por su convivencia dentro del ambiente en el que se producía la evolución. Y, desde esta perspectiva, verá como al abstracto lo sucederán el op-art y, sobre todo, el pop-art y las tendencias derivadas de este último, como consecuencia de la sociedad de consumo que se genera tras la recuperación de la depresión de la postguerra.
Clavé también es testigo, desde su incesante labor en la paz de Saint Tropez, del vacío que se produce después del conceptual, como él mismo dice: "... Hay una resurrección del dadá, ... y mucha ignorancia de lo que ocurrió desde fines de XIX."
Aunque la infancia y primera juventud de Clavé se desarrollan coetáneamente con el devenir de los años veinte y treinta , el mundo artístico europeo se le abre cuando ya es adulto. Él y el círculo de artistas con los que se relaciona saben lo que se está haciendo en Europa; sus primeras obras y carteles dejan adivinarlo. Pero no hay contacto directo. Sabemos que España -de forma general, pues siempre hay "individuos"- no iba a la cabeza de las vanguardias sociales y culturales. aunque Barcelona se halla cerca, no deja de estar al sur de los Pirineos. Por otras parte, la familia Clavé, socialmente, pertenece a una clase modesta, lo que contribuye a la dificultad de contactar con el extranjero.
Con el fin de la guerra civil española, en la cual formaba parte del derrotado bando republicano, marcha a Francia. Pasa unos meses en un campo de refugiados en Perpiñán y, siendo auxiliado por un amigo de esta ciudad, abandona el campo y llega a París, con la declaración de la segunda guerra en ciernes.De este modo aprehende el panorama cultural del momento, junto con el precedente a su llegada.
Durante la segunda guerra mundial y en los años siguientes se da un ambiente artístico en París y dentro de él está el grupo de los españoles. Al comienzo de la guerra, Clavé intentó salir de Francia, pero las tropas alemanas se lo impiden. De modo que, desde ese momento y por muchos años, su actividad se desarrolla en París. No solo se dedicará a la pintura, sino que también al grabado o la litografía y a la escultura. Todo es cuestión de contar con los medios (tiempo y espacio, además de un mínimo económico imprescindible para subsistir) cuando llega el momento creativo oportuno. Desde el año 1965 hasta la fecha, se dedica a este devenir en sus talleres de Saint Tropez. Lugar en el que estableció su residencia definitivamente, a pesar de mantener su estudio de París.
Texto: Isabel Moreno Montoro. Jaén, abril de 2002.
La galería Pau d'Arara de Madrid celebra
su primer año de existencia con una excepcional exposición de obra gráfica de
uno de los artistas icónicos del siglo XX en la innovación de las técnicas del
grabado.
El artista que se instaló en Francia,
tras la derrota del gobierno republicano y la toma de Barcelona por las fuerzas
golpistas, siempre mantuvo su taller en el país vecino.
Aprovechamos sus propias palabras sobre
las técnicas de grabado, recogidas de una entrevista que figura en la tesis
doctoral de la jiennense Isabel Moreno, titulada "La
Estampa en el arte de Antoni Clavé: litografía y grabado", realizada en
1994:
«Picasso decía siempre: il fant osez, es
decir, hay que atreverse». «A propósito de los gofrados sobre aluminio sonó la
flauta por casualidad.Es la verdad, ya que no era lo que pensaba hacer o lo que
estaba buscando. El primer asombrado fui yo. Picasso dijo hace muchísimos años:
yo no busco nada, encuentro». « Fue muy importante para mí el aguafuerte, que
aprendí muy tarde, ya en el año 1965. y más tarde el procedimiento Goetz,
también fue de gran importancia para mí; pero no solamente para el grabado, ya
que inclusive me sirvió para la pintura, los collages..., que se yo...». «Y si
últimamente la producción de obra gráfica no es tan numerosa es porque yo no
tengo, ni pienso tener nunca mientras me aguante en pie, ningún asistente. Hoy
en día es raro pero, en lo que me concierne, así es». «¿Por qué despreciar? -Lo
que cuenta es el resultado. Me parece que si pasara una temporada en un taller
de offset, y con un buen operario, me divertiría mucho haciendo pruebas de
superposiciones de color, cambios de papel, etc.Todo es cuestión de tiempo y
ganas de probar». «No empleo barniz blando ninguno. Hice un solo grabado al
barniz blando, hace ya mucho tiempo, en 1967». «Mis grabados al carborundum -y,
a veces, sin carborundum pero a base de color- se han alejado mucho,
técnicamente hablando, del grabado clásico; demasiado tiempo, demasiado largo
para mi manera de trabajar: barniz, ácido, azúcar, agua, resinas, etc. Esperar
que se seque la plancha ... volver a empezar». «En 1965, cuando empecé a grabar
sobre zinc o sobre cobre, el procedimiento me apasionó, de verdad. Era tan
distinto de la lito... En fin, unos años después, mi amigo Henri Goetz me hizo
descubrir el grabado al carborundum, en 1968, y desde entonces abandoné los
ácidos». «Realicé, hace ya veinte años, una plancha con gofrados sólamente y
sin color, sobre papel blanco, ¿por qué no?». «El dinero sirve para no hacer
concesiones y poder hacer lo que uno siente, lo que a uno e da la gana. No ha
sido siempre así, antes había los encargos , que aunque a uno le fastidiara,
tenía que hacerlos para que el puchero familiar hirviese».«Claro que todo empezó, o casi todo, para el
puchero y el pan con tomate: ilustraciones, carteles, litos.. Todo empezó así».
Después de Madrid, la exposición itinerará
a la ciudad de Jaén, donde la Sala de Arte Jabalcuz, dirigida por Josiane
Phélix, inaugurará la colección de grabados y litografías el 21 de marzo de 2002. Y está
prevista, en la misma fecha, la conferencia "Clavé, el poeta del
grabado", a cargo de Isabel Montero y Carmen Guerrero, que tendrá lugar en
el Museo Provincial de Jaén.
