Exposición LUÍS ARDEVÍNEZ. Madrid

PINTURA, ESCULTURA & OBRA GRÁFICA

Las obras de Luis Ardevínez están impregnadas de sensaciones de infancia, de los primeros descubrimientos de las calles, en su barrio madrileño, o del mar que descubrió en un primer viaje al Cabo de Gata, en Almería, cuando iba al Colegio del Santo Ángel en el Puente de Vallecas de Madrid.

El reciclaje, una constante en su trabajo, es un asunto personal que nada tiene que ver con el oportunismo de la moda. Conserva recuerdos de una época en los 80 donde, por falta de medios, usaba papeles pintados, muestrarios o puertas, junto a sus compañeros del estudio de la vallecana calle Peña Prieta. Desde entonces, mantiene el mismo espíritu, pero hoy los papeles de "confeti" aparecen en recuerdo de una fiesta de "moros y cristianos", o añoran la fábrica de papeles que quebró hace dos décadas en el Levante, que hoy habita Papeleras Reunidas o los papeles de seda que utilizaban sus primas en la escuela de Corte y Confección...

Los peces (de colores), que en el mar "se veían tan claramente" a diferencia de los de los ríos..., y una experiencia chamánica de comprensión de la "cadena de la vida" marcan una constante estética en su vida, generando poemas de respeto a Mamá Naturaleza (como a Luis le gusta llamarla).

Texto: Francisco Lara Mora.

Exposición ANA CASAL. Madrid

PINTURA & OBRA GRÁFICA

Exposición CARMEN MONTORO. Sitges

ESPACIO Y MATERIA, PINTURAS & OBRA GRÁFICA. Carmen Montoro Cabrera (Jaén, 1964).

El nombre de Carmen Montoro.
Alguien habló acerca d ela importancia de cada nombre, de todo lo que existe. También alguien, otro, dijo que ser capaz de cometer un asesinato y el estilo son asuntos independientes.
Es dificil no estar de acuerdo, pero ...; pero no todo lo que buscamos es nombre y estilo.

El Pantocrátor de Santa María de Taül tiene ese nombre, el que no lo tiene para nosotros es el autor o autores; no por ello tan preciado tesoro nos parece de menos valor. Lo del alma del pintor ya lo arreglamos peor; por no saber quien es, nos vemos forzados a quedarnos con el estilo y en la confianza de la verdad, de lo que cuenta, aunque al creyente le importa poco que al que pintó también lo fuera; no lo conoce.

Otras veces, es el nombre el que tapa la mentira del estilo y del contenido de la obra y, en cualquier caso, a algunos no nos importa el nombre; como alguien le dijo a Fabio, preferimos que aquella persona en la que nos fijamos iguale con la vida y el pensamiento, ya sea para apreciar la belleza de un exquisito delito o el éxtasis de una piadosa criatura. Es más, si hemos de sufrir el degüello, que sea a manos de un buen asesino y no a las de un santo famoso.

Hay quien paga arte por el nombre de la persona que lo creó y hay quien devora sin importarle el nombre, ni el alma, que hay detrás de la obra. El nombre representa el ser, pero es su obra el fruto de su vida y de su pensamiento.

Texto: Isabel Moreno Montoro. Jaén, febrero de 2001.

http://carmenmontorocabrera.blogspot.com/

Exposición ROBERTO GALVÃO. Madrid

PINTURA & OBRA GRÁFICA.

Conocí a Roberto Galvão (Fortaleza, 1950)  en 1993, en los Talleres de Obra Gráfica de Pastrana (Guadalajara) con los que, a modo de Cursos de Verano, la Universidad de Alcalá de Henares celebraba el setecientos aniversario de su fundación. Allí coincidimos, formando parte de un grupo cosmopolita,  con Eduardo Eloy (Brasil), Blaise Patrix (Francia), Injaï Braïma (Guinea Bissau), Alejandro Quiroga y Rodrigo Cornejo (Chile);  y los españoles:  Marga Llin, Isabel Moreno, Artemis Rupérez, Susana  Murias, Hilario Ranera, Sotte, Sofía García, Rafael Amorós y Luis Ardevínez. Realizando posteriormente, en Aranjuez (Madrid), la exposición colectiva “Grafica de Aquí y de Allá”, con la incorporación de obra gráfica de Eva Davidova (Bulgaria), Rafael Monagas (España), Philippe Martin (Francia), Marisa Lara (México), Jean Marc Gauthier (Francia), Moisés Finalé (Cuba), Ramiro Arango (Colombia), David Anglés (Bolivia) y Sebastiâo de Paula (Brasil).

En la exposición de la galería Pau d’Arara, Galvão presenta obras realizadas en los 90, donde las bestias zoomórficas agrupadas en sus telas se individualizan dando lugar a un bestiario con características muy especiales, en el que cada uno de los “bichos” se desparrama ocupando la superficie de la obra, se puede observar en el cartel anunciador de la exposición, que contiene una obra muy representativa. 

El profundo estudio sobre la obra de Chico da Silva y la propia relación con éste pintor, considerado primitivista, pero que también bucea en las aguas del surrealismo que emana del inconsciente, tienen una profunda influencia en este periodo; captando Galvão el sincretismo antropofágico de la tradición nordestina, común a la obra de Aldemir. Fruto de la imaginación y de las leyendas, los animales mitológicos han acompañado la historia de los hombres desde sus orígenes, convirtiéndose incluso en seres arquetípicos. Así, la aparición de seres mitológicos es común a muy diversas culturas y podemos decir que todo pueblo con tradiciones e imaginación tiene sus propias bestias mitológicas, en muchos casos relacionadas con el bien y el mal. Por ejemplo, al sur de Brasil, el pueblo Mapuche, en Chile, desarrolló una tradición muy grande de seres extraordinarios, entre los que se cuentan la serpiente alada (Piwichén), el zorro con cola de culebra (Ngurru vilu) o una oveja deforme (Wallipeñ);  Y al otro lado de América, el pueblo Azteca representó al dios Quetzal, un animal mitológico mezcla de ave y serpiente: "Serpiente Emplumada".  Sin olvidar las representaciones de la mitología china, hindú,  egipcia, griega, romana o del Medievo europeo (Pegaso, unicornio, cíclope, centauro, cancerbero…). Todos ellos fueron mezcla de seres que realmente existen o existieron, lo que hizo pensar en ocasiones que fuesen mutaciones genéticas, monstruos de la naturaleza e incluso aberraciones, nacidas de la confusión propia de la época antigua en que se describieron; como es el  caso de los descritos en los Diarios de a bordo de los navegantes españoles que descubrieron las costas de Ceará, allá por el año 1500, acompañando a Vicente Pinzón. O como confesara Chico da Silva a Galvão en una de sus delirantes conversaciones: “los monstruos existen, yo los he visto en el Cine”.

Un bicho percusionista y otro saxofonista, grabados calcográficos realizados por Galvâo en los Talleres de Obra Gráfica de Pastrana en 1993, que ilustran los congresos Música, Arte y Mística celebrados anualmente, desde 1995,  en la localidad alcarreña, son ejemplos de la obra gráfica expuesta, que comparten temática y universo con la pintura.

Tras la exposición, la obra de Roberto Galvão pasará a formar parte del fondo permanente de la galería Pau d’Arara.

Texto: Francisco Lara Mora.

Inauguración GALERÍA DE ARTES APLICADAS PAU D'ARARA MADRID

EXPOSICIÓN COLECTIVA: JOSÉ RINCÓN, ANGEL CHICHARRO, PEPA JORDANA, SASTRE, JESÚS GALPARSORO, JOSÉ PORTILLA, MARCIANO BUENDÍA, ROBERTO GALVÃO Y FRANCISCO LARA.

ARTE A PIE DE CALLE. Un nuevo espacio en el que la artesanía popular es elevado a una categoría superior.

Con la finalidad de acortar distancias y unir definitivamente el mundo del arte con el público de la calle, un colectivo de artistas decidió poner en marcha hace unos meses la tienda Pau d'Arara. Ocho artesanos españoles y un brasileño muestran sus colecciones en pintura, cerámica, joyería o madera de forma continuada en este espacio que también alberga exposiciones itinerantes.

Los responsables de la idea son dos joyeros, Jesús Galparsoro y Francisco Lara, cuyas creaciones se encuentran a la venta al igual qie el resto de las piezas de sus compañeros.

El local conserva el sabor añejo y castizo que le proporciona su fachada de madera y escaparate de cristal que sirvió como tienda de ultramarinos en el Madrid palaciego. En su reducción interior, dividido en tres plantas, se aprovecha cada rincón y es posible contemplar los distintos objetos de un amisma colección descansando en baldas de madera. Destacan las cajas y frascos especieros elaborados por Marciano en cerámica lacada, cuya técnica de cocción recuperada de la más ancestral tradición oriental, consigue tener un tipo de acabado poco  común en barro.También son llamativos los sorprendentes diseños de bandejas, tarros y lámparas realizadas por Angel Chicharro a través de la unión de las tres maderas más cotizadas: olivo, nogal y caoba.

El mundo de la cerámica también está representado por Sastre, un manchego con gusto por el azul mediterráneo y la luz. Este sentimiento queda plasmado en los utensilios que modela, de gran colorido y de uso doméstico, como platos, teteras o ceniceros. Por su parte, la artista Pepa Jordana realiza murales de gres bruñido y cerámica, como llaveros y colgantes del mismo material, con diseños sencillos de arte rústico -sin estridencias ornamentales-, que inspira su obra.

Las creaciones de los joyeros Jesús Galparsoro y Francisco Lara son completamente distintas, pero igualmente innovadoras. Mientras que el primero se inclina por los motivos geométricos en sus series -Mosaico y puzzle, de plata y piedras semipreciosas, respectivamente-, Lara prefiere dar rienda suelta a su imaginación confeccionando pulseras y anillos con animales mitológicos y terrenales, como tiburones o ranas en sus diseños más preciados. El coste, a pesar de tratarse de series limitadas, varçia según el proceso de elaboración y el tamaño, de este modo, es posible adquirir desde una gargantilla por 6.000 pesetas hasta un pie de lámpara por 60.000 pts.

Texto: Laura Ballester (EL MUNDO).

Exposición UWE GEEST. Sitges

UWE GEEST, PINTURAS.

Viu la seva infantesa a Dahme, un petit poble a la vora del Mar Bàltic, abans de retornar a Hamburg, on va néixer l'any 1941 i on va estudiar arquitectura. Resideix a Barcelona des de l'any 1968. Ha exposat a Espanya, França, Holanda, Gran Bretanya, Andorra, Venezuela, Marroc i Alemanya.

Fa un any, vaig demanar a l'Uwe si podia observar-lo mentre pintava i així veure el naixement i l'evolució posterior d'un quadre. Jo sabia que li demanava molt, perquè l'acte de crear és quelcom d'intim, de molt personal. Requereix de l'artista que oblidi el món exterior per poder estar en total comunicació amb el seu propi món interior. Ell hi va accedir i, gairebé de seguida, alló que era per part meva pura curiositat intel·lectual  i artística va deixar pas a una sensació molt més profunda: alló que jo veia formar-se a la tela es transformava dintre meu en qualcom de propi, s'integrava al meu món interior i m'interpel·lava amb tal força que no podía estar-me d'expressar-ho després -i, de vegades, quasi simultàniament amb el seu acte de pintar- amb els meus medis, és a dir amb paraules.

D'aquesta observació interiorizada van sorgir uns poemes que porten els noms dels seus quadres. Per alguns d'ells. les fases intermèdies -que vaig veure i han deixat de ser- em van inspirar versos tan diferents entre sí com ho poden ser els estats efímers d'una obra, de la cual el públic només veu l'última etapa, és a dir la definitiva.

Paralel·lament, intentava, tot mirant fotografies antigues, penetrar en el món oníric, màgic, de la seva infantesa i entendre quins elements havien deixat la seva imprenta a la jove memòria del nen per anar formant, a poc a poc, un món pictòric poètic i sensual on la vivesa dels colors mediterranis, lluny de fer desaparèixer la melangiosa pal·lidesa de la natura del Nord, s'hi combina de forma única i inseparable. Jo volia, en el seu esguard i sota els seus dits de pintor, retrobar aquest cel del Nord, on s'estiren, de punta a punta, uns llargs núvols blanquinosos, aquest mar més gris que verd o blau i les grands extensions de sorra del Bàltic. Volia, des del seu taller de Barcelona, fer un tomb per Dahme, el poble on va viure de petit.

Aquí teniu el resultat d'aquest passeig, d'aquesta unió entre les imatges i les paraules: un any d'una visió complementària, enriquiment mutu i intercanvi creatiu, un any d'una meravellosa experiència artísitca i humana.

 Texto: Yael Langella, Barcelona 07/04/1999.

Exposición JOSÉ IGNACIO RINCÓN. Sitges

PINTURAS & OBRA GRÁFICA

En el verano de 1993, José Rincón (Sevilla, 1959) visitaba los Talleres de Grabado de la Universidad de Alcalá de Henares en Pastrana, invitado por sus alumnas de la Galería Brita Prinz, Susana Murias y Artemis Rupérez. Posteriormente el que subscribe visitaría en múltiples ocasiones el taller de obra gráfica de la Galería Brita Prinz, donde Rincón supervisaba el trabajo de los artistas que allí ejecutaban sus grabados. Y posteriormente, cuando la Universidad de Alcalá de Henares nos encargó la dirección de los Cursos de Verano en Pastrana, iniciamos una variada colaboración que incluiría la realización de cursos de grabado (calcográfico y técnicas aditivas) y exposiciones.

Así, en el mes de julio del 96, coincidieron en los mismos Cursos de Verano de la Universidad de Alcalá en Pastrana, Eduardo Eloy como profesor de un Curso de elaboración de Papel Artesanal, José Rincón -profesor de Grabado-, Isabel Iglesias –profesora de encuadernación- y el mejicano Jorge Castro –profesor de Diseño de Joyas-; los talleres se realizaban en el patio porticado y la nave de la iglesia, hoy sin culto,  de un antiguo convento franciscano fundado en 1475 y allí se produjo una simbiosis, consistente en la impresión de las matrices del curso de grabado sobre los papeles artesanales (a base fibras vegetales propias del verano alcarreño: paja, lino, cañas...) producidos por el curso de papel.

Los participantes, Ángela Muelas, Antonio Santana, Aura Rojas (Colombia), Gema G. Vizcaíno,  Gloria Castellanos, Jesús Galparsoro, Joaquín Manzano, Juan J. López, Julio F. del Rey, Laura Oliveros, Mª Soledad Rojo, Mª Teresa  Martín, Nini Olaizola, Mauricio Gª Gutiérrez y Andrés Anguita, donaron algunas de las obras realizadas durante el curso, con la idea de crear en el, entonces abandonado, Palacio renacentista de la Princesa de Éboli un Centro de Cultura que albergara los talleres y una colección de grabados que se enriquecería, curso a curso y año tras año.

Aunque el proyecto quedó en la "vía muerta" gracias a la "oposición" del caciquillo municipal que tenía otros planes para que el desarrollo de la "Villa" no tomara un rumbo tan arriesgado, pues ya se sabe que los artistas siempre van acompañados de ideas novedosas y, además, les mueve esa cantinela enigmática de la ética y la estética..., en el siguiente año organizaríamos la exposición  Obra Gráfica de José Rincón en el recientemente inaugurado nuevo MAUC -Museo de Arte de la Universidad Federal de Ceará (Brasil)-  y en 1998 la Galería de José Guedes en Fortaleza realizaría la exposición "Conexões", combinando grabados de Roberto Galvão y joyas de Francisco Lara con los grabados de José Rincón. 

Nuevamente, en 1999, a pedido de Roberto Galvão, que comisariaba la exposición "A Curvatura da Luz" que conmemoraba los 80 años desde que en Sobral (Brasil) se comprobara la Teoría General de la Relatividad de Einstein, seleccionamos para participar en la misma, obras de José Rincón, Isabel Moreno, Sotte y Susana Murias.

Ahora,  la galería Pau d'Arara recibe la exposición de pintura y obra gráfica de José Rincón, cuya obra pasará a formar parte del fondo permanente de la galería, al terminar la misma. Tratándose de una ocasión, poco habitual, para observar la obra del Rincón pintor -dialogando- con la más conocida obra gráfica del Rincón grabador.

Texto: Francisco Lara Mora.